la uva y la parra

Soô es el último trabajo de Habib Koité, un disco con la motivación principal de mostrar, por un lado, la diversidad cultural de su rico país (cantando en cuatro lenguas diferentes: bambara, malinké, dogón y khassonké) y, por otro, su enorme deseo de que se superen los problemas que recientemente ha vivido Malí en relación a los radicales islamistas.

Habib Koité lleva más de dos décadas con su sexteto Bamada haciendo una preciosa música que bebe de la tradición, pero que se fusiona de manera contemporánea. Después del deslumbrante Afriki (2007) y su Brothers in Bamako (con el bluesman neoyorquino Eric Bibb), para este disco ha querido hacer algo diferente formando un segundo grupo y elaborando el trabajo desde casa, prácticamente acústico, con amistades e incluyendo una sorpresa: el banjo que le regaló Eric Bibb, que es interpretado por Abdoul Wahab Berthé (que ya participaba en Bamada, y que también se ocupa del kamale n´goni); el teclista Charly Coulibaly se encarga de la percusión y canta (junto a Mama Koné), y Ami Danté les acompaña en los coros. Todo con una finalidad: aprovechar la riqueza de la música mandinga y mostrar los diferentes ritmos de algunas de sus culturas (fulani, songhai, tamasheq, bambara…). Además, intentando acercar esas culturas no solo a través de sus músicas sino, también, de sus artistas, para que funcione como elemento de unión en su propio país.
Preciosas canciones de cadencias relajadas, animosas, con letras comprometidas (por ejemplo, "Need You" habla de los matrimonios forzados; "Djadjiry"–de Fanta Damba-, de los horrores de la guerra) y con más sorpresas en una de las joyas del disco: "Téréré", donde participan y brillan dos grandes maestros, Toumani Diabaté a la Kora y Bassekou Kouyaté con el n´goni.
En definitiva, un emocionante collage sonoro, una sonoridad próxima al blues y una personificación de lo que es Malí: un gran país con un impresionante yacimiento musical, que reune diferentes culturas y que anhela la paz y la comprensión.

Página web oficial: Habib Koité

tracks list:
01. Dêmê
02. Diarabi Niani
03. Bolo Mala
04. Drapeau
05. Téréré
06. L.A.
07. Khafole
08. Need You
09. Soô
10. Balon tan
11. Djadjiry

Entradas relacionadas:Habib Koité & Bamada - Afriki, Habib Koité & Eric Bibb - Brothers in Bamako

Chatma ("hermanas") es el tercer trabajo de Tamikrest, enfocado en su reconocida fusión conocida como "Blues del Sahara", con un componente político y social importante: dedicado al coraje de las mujeres Tuareg, y a su papel como sustentadoras de la supervivencia y la moral en sus familias, en los numerosos conflictos sufridos por el país en los últimos treinta años.
Tamikrest significa "Intersección" en el lenguaje de los Kel Tamashek, una tribu nómada del norte del Sahara, habitualmente conocidos como Tuaregs. El proyecto está encabezado por Ousmane Ag Mossa y Wonou Walet Sidati, esta última conocida por su participación en Tinariwen. Con ellos comparten situaciones, influencias y muchos de los sonidos de la cultura tuareg (como se puede comprobar en sus anteriores trabajos, Adagh, de 2010, y Toumastin, de 2011): al igual que Tinariwen, Tamikrest tiene que vivir en el exilio debido a la situación política de su país, condición que alimenta su música, en una mezcla del sonido tradicional del Sahara, rock y blues.

Grabado entre la República Checa y Eslovenia, el tema que abre el álbum, "Tisnant an Chatma" ("El sufrimiento de mis hermanas") es ese triste homenaje que le canta a la opresión vivida por las mujeres en en norte de Mali. El disco tiene momentos absolutamente hipnóticos, como en "Itous", y otros más pausados, como en "Achaka Achail Aynaian daghchilan", "Timtar" y "Adounia Tabarat", pero la tónica general está marcada por la intensidad de temas con una alta influencia del rock como "Imanin Bas Zihoun" o "Djanegh Etoumast".
Un trabajo poderoso, impecable, con una virtud compartida por otros grupos y artistas de la región: la de saber transmitir, como nadie, una actitud de lucha contra el dolor a través de la música.

Página web oficial: Tamikrest

tracks list:
01. Tisnant an Chatma (The suffering of my sisters)
02. Imanin bas zihoun (Nothing will make my soul joyful)
03. Itous (The Objective)
04. Achaka Achail Aynaian daghchilan (Tomorrow, Another Day)
05. DJanegh etoumast (I Say To The People)
06. Assikal (The Journey)
07. Toumast anlet (We Have A People)
08. Takma (Pain)
09. Adounia tabarat (Life)
10. Timtar (Memories)

La cantante francesa Zaz fue una de las artistas de mayor éxito en Francia durante 2011 y 2012, con su primer disco homónimo, gracias a una propuesta musical fresca pero nostálgica y a una increíble voz que logra fusionar, como pocas, la canción de autor francesa con el gypsy jazz (jazz manouche). Recto Verso es su tercer trabajo, una producción de registro y de ejecución impecables que supera las expectativas creadas.
Isabelle Geffroy, nacida en Tours e hija de una profesora de español, estudió solfeo, violín y piano en el Conservatorio de Tours y en la Escuela de música moderna de Burdeos. Antes de su primer disco en solitario, con tan sólo 30 años, Zaz ya había colaborado con varios grupos alternativos, de manera paralela: en 2001, es la cantante del grupo de blues Fifty Fingers y una de las cuatro cantantes de Izar Adatz (Estrella Fugaz), una orquestra vasca compuesta por 16 personas; en 2002, integra el grupo Don Diego, una banda de rock latino, con repertorios africanos, árabes, brasileños y latinos. En 2007 contesta a un anuncio, en Internet, del productor y autor compositor Kerredine Soltani, que busca tanto una voz diferente para una canción, que acaba de componer ("Je veux") y como un productor que acepte editarla. Mientras tanto, Zaz sigue colaborando con los grupos de rap, Le 4p, en 2007, y Miliaouech, en 2008. En 2009, gana su primer Premio (Le Tremplin Génération France Bleu) y encuentra un productor para "Je Veux", que se escuchará, por vez primera, en la radio francesa en 2010. El éxito es apabullante, una canción que es toda una declaración de principios suscribible por buena parte de la juventud consciente de hoy, atenazada por la realidad de la crisis económica.

Zaz construye su música con base en la herencia de la Chanson, pero (y gracias a su bagaje vital) sabe enriquecerla coqueteando con otros géneros. Es una artista natural, inquieta, comunicativa y creíble, que precisamente se siente a gusto en la variedad, tan pronto revisando un tema de Piaf o de Brel como interpretando jazz manouche, groove, canción latina... Su primer disco (Zaz, 2010) tiende al pop; el segundo (Sans Tsu Tsou, grabado en directo durante su gira de 2011) es prácticamente un disco de jazz vocal, y para el tercero ha conseguido una combinación equilibrada entre ambos.
Recto Verso se puede dividir en dos categorías identificables: canciones que hacen honor a su estirpe ("Comme ci, omme ça", "T´attends quoi", "La lessive", "J´ai tant escamoté", "Toujours", "Oublie Loulou", "La lune") y las que se tutean con el jazz, el rock y el pop ("On Ira", "Gamine", "Déterre", "Si je perds", "Si", "Cette journée", "Nous Debout"). Letras cuidadas, que hablan de valores de la vida, con una producción musical esquisita, donde los instrumentos de cuerda tienen una relevancia especial. Desde la guitarra, a la que no renuncia jamás, hasta el contrabajo, fundiéndose en sus raíces y su amor por el jazz.
Zaz es precisamente eso, una artista de amplios gustos y registros interpretativos. Un talento inclasificable.

Página web oficial: Zaz

tracks list:
01. On Ira
02. Comme ci, comme ça
03. Gamine
04. T'attends quoi
05. La lessive
06. J'ai tant escamoté
07. Déterre
08. Toujours
09. Si je perds
10. Si
11. Oublie Loulou
12. Cette journée
13. Nous debout
14. La lune

Etran Finatawa ("las estrellas de la tradición") es la única banda del mundo que combina las culturas de los Bororo (se distinguen por sus singulares pinturas en la cara) y los Tuaregs. La cultura Bororo o Wodaabe añade unas características especiales a la música: el canto polifónico y su percusión, que se une a los sonidos tradiciones tuaregs. El resultado es un tipo de blues del desierto que nos llega desde la sabana del Sahel (Níger).
Dados a conocer en 2004 durante el Festival au Désert, en Malí, Etran Finatawa pertenecen (como Bombino o Tinariwen) a esa saga de artistas que han hecho del blues del desierto algo sugestivo e inconfundible, un espectacular directo que se puede comprobar en su anterior trabajo Tarkat Tajje – Let´s Go! (2010), grabado en su gira europea de 2009. En él crean un sonido único y diferente, donde se dan a conocer sus ideas y preocupaciones con respecto a su modo de vida tradicional en peligro de extinción, en una sociedad inmersa en un cambio global contínuo. Su segundo álbum Desert Crossroads (2008) fue una exploración de las dificultades de ser un pueblo nómada.

Y en mayo de 2013 lanzaron su tercer álbum hasta la fecha, The Sahara Sessions. El título define perfectamente la esencia del trabajo del grupo, para lo que decidieron montar un estudio de grabación en pleno desierto a las afueras de la ciudad de Korey Gourou, en Níger.
El resultado es un disco que suena diferente. Los cortes que lo componen se sienten más puros y transmiten un sonido sugerente que transportan al árido desierto (sus noches estrelladas y su calma), con sus particulares riffs de guitarra y percusión que se entrelazan en cada tema creando una fusión perfecta entre el ritmo y la base melódica que los componen. A todo ello se suman las voces de Alhousseini Mohamed Anivolla y Bammo Agonla, que nos invitan a la reflexión sobre el conflicto de la supervivencia de la cultura de los pueblos tuareg.
La problemática política y las graves dificultades económicas representan una peligrosa amenaza para el modo de vida nómada y las ricas culturas de Níger. Esperanzados en una solución a estos problemas, Etran Finatawa celebra sus raíces culturales y hace un llamamiento para que la conservación de los pueblos nómadas sea una prioridad tanto para Níger como para las y los oyentes de todo el mundo.

tracks list:
01. Matinfa
02. Gonga Timouhar
03. Icheraid Azaman
04. Wa Oyan A Wa Imouss I Bastila
05. An Mataf Germanawen
06. Eldam
07. Ahewalan
08. Bakuba
09. Atherlak
10. Djojaréré
11. Issaud
12. Is Ler Is Salan
13. In De Hallad
14. Im Raharan
15. Taborilit
16. Toumast

Africando es una famosa y legendaria agrupación nacida en Senegal, referencia ineludible de la llamada "salsa africana". Conformada por artistas de África, además de neoyorquinos y puertorriqueños, la banda fue creada como proyecto musical a inicios de la década de los noventa y celebra la tradición africana de la música salsa. Transcurridos siete años desde su última producción, Ketukuba (un trabajo que hace énfasis en los vínculos entre Cuba y África), Viva Africando es su octava producción, para el sello londinense Sterns Music.
La historia de este disco es toda una odisea. Mientras que los siete primeros álbumes de Africando fueron grabados en su mayoría o en su totalidad en Nueva York, para este octavo trabajo los neoyorquinos tuvieron que viajar a París. No era ese el plan inicial, pero la guerra en Malí intervino, por lo que era imposible para el arreglista y director musical, Boncana Maïga, renovar su visa para Estados Unidos. Afortunadamente, pudo ir a Francia, aunque las primeras pistas fueron grabadas en Bamako (Malí) y Dakar (Senegal). En París se vuelve a conectar con Ibrahima Sylla, productor y autor intelectual de Africando, y en noviembre de 2012 se les unen los seis músicos de Nueva York, dirigidos por el pianista Oscar Hernández, quien ha sido una parte integral de Africando desde Gombo Salsa (1996)

Muchas voces familiares adornan Viva Africando. El veterano cantante senegalés Medoune Diallo, miembro fundador de la banda. Sékouba Bambino, una de las grandes estrellas de Guinea desde su juventud en Bembeya Jazz National, que se unió a Africando en 1996 y sigue siendo miembro permanente mientras continúa su carrera exitosa como solista. Roger Eugène, más conocido como Shoubou, un patriarca de la destacada banda haitiana Tabou Combo, que ha combinado con su participación en Africando durante diecisiete años. Un pionero de la música moderna en Burkina Faso, Amadou Ballaké, que aparece por cuarta vez en una producción de la banda.
Jos Spinto, que ha participado en Africando en la última década, dedica una de las canciones a Gnonnas Pedro, una estrella de la música en su país de origen, Benin, y que fue cantante principal de Africando entre 1995 y 2004, año de su fallecimiento. Pascal Dieng, de Super Cayor de Dakar, vuelve a repetir con un segundo álbum con Africando, al igual que su compatriota, el cantante senegalés Bassirou Sarr del grupo Dieuf-Dieul.
En este álbum se presentan cuatro artistas destacados que hacen sus primeras apariciones con Africando: René Cabral, en la escena musical de Cabo Verde desde hace tres décadas; Lokombe Nkalulu, miembro de uno de los mejores grupos congoleños de los años 70, Les Grands Maquisards; James Gadiaga, un notable de la Senegal´s Royal Band de Thiès, y Raymond Fernandes, nacido en Dakar y de origen caboverdiano, que grabó su tema pero que falleció antes del lanzamiento.
Africando siempre ha recibido a grandes artistas tanto en el escenario como en el estudio, no sólo cantantes sino, también, solistas instrumentales. Viva Africando tiene un trepidante final con un tema interpretado por una orquesta invitada: The Spanish Harlem Orchestra, bajo la dirección de Oscar Hernández y con el cantante Ray de la Paz. Los grandes de la salsa clásica de hoy, The Spanish Harlem Orchestra, rindiendo homenaje con "Africa Es" a su gran aliado en la causa, Africando.

tracks list:
01. Deni Sabali (Amadou Ballaké)
02. Xallas Xallas (Bassirou Sarr)
03. Doundari (Sékouba Bambino)
04. Xam Sa Bop (James Gadiaga)
05. Es Para Ti Gnonnas (Jos Spinto)
06. En Vacances (Shoubou)
07. Maria Mboka (Lokombe)
08. Ma Won Mio (Jos Spinto)
09. Yen Djiguengny (Pascal Dieng)
10. Noche con Santana (Rene Cabral & Eddie Zervigon)
11. Destino (Raymond Fernandes)
12. Bouré Yayé Diama (Medoune Diallo)
13. Africa Es "Tribute to Africando" (Ray De la Paz & The Spanish Harlem Orchestra)

Escuchar un bandoneón entre secuencias electrónicas es hoy casi un tópico en las ambientaciones, pero en décadas anteriores se consideraba impensable algo así antes de que surgiera Gotan Project. El "neotango" inventado y masificado por este trío multinacional asentado en París le hizo ganar en misterio y modernidad al género de baile, pasión y desamor surgido en Buenos Aires a fines del siglo XIX.
El tango tomó una nueva dimensión gracias a Gotan Project, un grupo multinacional compuesto por el suizo Christoph H. Müller, el DJ francés Philippe Cohen Solal y el argentino Eduardo Makaroff, sin olvidarnos de la voz de la barcelonesa Cristina Vilallonga. Esta mezcla tan "extraña", que se gestó en París en el año 2000, es la que ha creado la fusión de jazz, tango, música electrónica y mucho arte. Como particularidad, la palabra Gotan es Tango pasada por el tanguero mecanismo del revés.

En celebración por su primera década de vida (y éxito), en 2011 Gotan Project presentó casi en simultáneo dos nuevas e interesantes publicaciones a partir de su combinación de electrónica, jazz, tango y sampleos vocales. La revancha en cumbia, un proyecto atrevido que lleva aún más lejos la vocación del grupo por la fusión de géneros rara vez relacionados. Esta vez, el trío convoca a nueve DJs sudamericanos asociados a la llamada "cumbia digital" (Bomba Estéreo, Tremor, Chancha Via Circuito, King Coya, entre otros) para que graben en clave cumbiera nuevas versiones de todos los temas de su primer álbum, el famoso La revancha del tango (2001), abriendo el oido a un sonido verdaderamente novedoso y fresco.
Best Of es una primera antología de sus grabaciones, con espacio para trece títulos tomados de su discografía anterior y el regalo de dos composiciones nuevas. El disco resulta un estupendo modo para introducirse no sólo en la trayectoria de Gotan Project sino en el subgénero completo del "tango electrónico", donde hoy también brillan nombres como Bajofondo, Metrotango, Tango Crash y San Telmo Lounge.

Página web oficial: Gotan Project

tracks list:
01. Santa María (del Buen Ayre)
02. Época
03. La gloria
04. Diferente
05. Rayuela
06. Una música brutal
07. Mi confesión (feat. Koxmoz)
08. Peligro
09. Tríptico
10. Strength to love (feat. Tumi)
11. Panamericana
12. Amor porteño (feat. Calexico)
13. El norte
14. Checkmate / Jaque mate (feat. Christopher Ettridge)
15. Last Tango In Paris

Cuatro décadas después de iniciar su andadura, Kronos Quartet ha logrado romper las barreras entre la música popular y la clásica, explorando las tradiciones folk de todo el mundo. Su nuevo recopilatorio por su 40 aniversario, A Thousand Thoughts, celebra esta victoria bien ganada al reunir una generosa ración de estas excursiones musicales trotamundos en un solo disco.
A Thousand Thoughts forma parte de esta celebración junto con la edición de un paquete retrospectivo (The Kronos Quartet Explorer Series) que incluye cinco de sus discos esenciales: Pieces of Africa (1992); Night Prayers (1994, música de Europa del Este y Asia Central); Caravan (2000, con el grupo romaní Taraf de Haïdouks), Nuevo (2002, música de compositores mexicanos) y Floodplain (2009, música de Oriente Medio).
Para la grabación de este disco, el director artístico de Kronos Quartet David Harrington ha invitado a tres cellistas que han grabado con el grupo a lo largo de su carrera: Joan Jeanrenaud (1978–1999), Jennifer Culp (1999–2005) y Jeffrey Zeigler (2005–2013).

Con canciones de catorce paises diferentes, vale la pena darse una vuelta por el álbum sólo por la espectacular lista de estrellas invitadas que el cuarteto, formado por David Harrington y John Sherba (violín), Hank Dutt (viola) y Sunny Yang (cello), ha llevado al estudio en los últimos años. Una de las grandes estrellas de la música bollywood, la exquisita Asha Bhosle, presta su asombrosa voz a una melodía compuesta por su marido, el legendario cantante y compositor Rahul Dev Burman (más conocido como Pancham), junto con el virtuoso de la pipa china Wu Man.
Las sorprendentes voces del Coro Femenino de la Radio y Televisión estatal Bulgara, también conocido como Le Mystère des Voix Bulgares, canta una pieza escrita por Kronos y el gran Terry Riley, compositor estadounidense asociado al minimalismo. El maestro argentino Astor Piazzolla toca el bandoneón en una grabación de un tango que compone expresamente para el cuarteto.
Pero tan impresionante como estos cameos estelares es el juego camaleónico del cuarteto, que logra fusionarse en músicas procedentes de paises como China, Afganistán, Vietnam y Siria, manteniendo el núcleo característico de su sonido: combinar un espíritu audaz de exploración con el compromiso de ampliar las sonoridades del cuarteto de cuerda.

Página web oficial: Kronos Quartet

tracks list:
01 Tusen Tankar
02 Dark Was the Night, Cold Was the Ground
03 La Sidounak Sayyada
04 Lưu Thủy Trường
05 Aha Gèdawo
06 An Buachaillín Bán
07 The Round Sun and Crescent Moon in the Sky
08 Eviç Taksim
09 Rangin Kaman (excerpt)
10 Smyrneiko Minore
11 Cry of a Lady
12 Sim Sholom
13 Mera Kuchh Saaman
14 Asleep from Five Tango Sensation
15 Danny Boy

La cantante y poetisa saharaui Aziza Brahim ha reunido una colección de temas acústicos donde la palabra y su voz, luminosa y desafiante, es la protagonista del disco: Soutak, que se traduce como "mi voz". Su canto es el de un pueblo que tiene su voz "silenciada, censurada y amordazada". Son canciones de la resistencia.
Blues del desierto (un espacio inhóspito, duro y donde la vida es casi imposible) es la música que entrega Aziza Brahim. Nació en los campos de refugiados de Tinduf, a lo largo de la frontera entre Argelia y Sáhara Occidental, donde su madre huyó durante los primeros días de la ocupación marroquí. Su padre murío durante la guerra, y fue en esos campos donde comenzó a dar muestras de su talento para la música, "Desde que tengo uso de razón, he practicado la música porque en mi casa era algo habitual. No solo nos reuníamos los viernes para cantar El Medeh, el resto de la semana también estaba presente. Nos entreteníamos organizando juegos musicales, mi abuela proponía unos versos y teníamos que inventarles una melodía, ella decidía cuál era más bonita. Me pasaba el día imaginando melodías para ganar esos concursos familiares". Sus primeros instrumentos musicales fueron "Primero la voz y las palmas, después una alfombra, más adelante un bidón de agua para simular un tabal. Cualquier cosa me servía entonces para hacer ritmo".
Desde el año 2000 reside en Barcelona aunque, como dice la letra de "Lagi", "Desde que llegué a este mundo / yo vivo refugiada. / Aunque me vaya hacia el norte / sigo siendo refugiada". En 2007, Brahim inicia un proyecto musical llamado Gulili Mankoo, compuesto en su origen por artistas de diversa procedencia (España, Senegal, Colombia, Sáhara…) cuyo sonido se basa en la idea de desarrollar música saharaui sobre un soporte armónico generado por el collage de influencias culturales y estilos personales de sus miembros. Con el sello francés Reaktlon autopublican Mi Canto (2008) y Mabruk (2012), en cuyo resultado cristaliza una actitud reivindicativa que transmite un mensaje poético, a través de unos textos, que exige la liberación de la ocupación marroquí y la autodeterminación del pueblo saharaui.

Su tercer disco, Soutak (2014), ha sido grabado completamente de manera acústica en Barcelona, y producido por Chris Eckman (Tamikrest) para el sello alemán Glitterbeat. Busca así la sencillez que toda verdad encierra: a través del Haul, la tradicional música saharaui que se acompaña del tabal (el instrumento de percusión femenino saharaui por excelencia), marcar el ritmo del sentimiento y la esperanza de que todo cambie después de cuatro décadas de ocupación. En esta ocasión, ha sido la música de Malí la que le ha servido de inspiración. Como canta en "Ya Watani" (Mi Tierra), "Para la vida, la libertad y la dignidad / mira estos ojos inocentes mirando el cielo / desea alcanzar el horizonte del océano".
Un disco emocionante, cautivador, que clama por la dignidad, los derechos y la libertad. Bello y trascendental. (Fuente: entrevista en Músicas del Mundo)

Personal:
Aziza Brahim: voz, tabal
Guillem Aguilar: bajo
Ignasi Cussó: guitarra
Nico Roca: percusión
Kalilou Sangare: guitarra
Badra Abdallahe: coros

Página web oficial: Aziza Brahim

tracks list:
01. Gdeim Izik
02. Julud
03. Espejismos
04. Lagi
05. Aradana
06. Soutak
07. La Palabra
08. Manos Enemigas
09. Ya Watani

Eve es el título del nuevo trabajo de Angélique Kidjo, un maravilloso recopilatorio con una serie de canciones dedicadas a la cultura de las mujeres de África, un homenaje a su fuerza, su femineidad y a su constante lucha por la independencia y la libertad.
Producido por Patrick Dillett (colaborador de artistas del calibre de David Byrne), el nombre del disco es una clara dedicatoria a la madre de Angélique Kidjo y ha sido grabado incluyendo hasta diez coros de mujeres procedentes de Benín y Kenia, que acompañan a la "New Mama Africa" cantando en distintos dialectos e idiomas autóctonos, entre ellos el Fon, el Yoruba, el Goun y el Mina. La cantante lanza este nuevo trabajo en conjunción con la edición de "Spirit Rising: My Life, My Music", una autobiografía publicada por Harper Collins.
"Eve es un álbum de recuerdos de la mujer africana con la que crecí y un testimonio del orgullo y la fuerza que se esconde detrás de la sonrisa que oculta problemas cotidianos" dice Kidjo, cuyos premios incluyen una discografía de 20 años y miles de conciertos en todo el mundo. "Sus voces emanan positividad y gracia en momentos difíciles. En esta grabación dejo que las voces de las mujeres muestran su belleza al mundo", añade. "Eve muestra la positividad que aportan a sus pueblos, ciudades, la cultura y el mundo".

Para la realización de Eve, Angélique ha contado, también, con un impresionante plantel de artistas como el guitarrista Lionel Loueke, el batería Steve Jordan, el bajista Christian McBride y con la participación extraordinaria del original percusionista senegalés Magatte Sow. También podemos escuchar en el disco a Dr. John (piano), Rostam Batmaglij (guitarra de Vampire Weekend), Kronos Quartet y a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo.
Con la popular cantante nigeriana Asa canta "Eva", y para la tradicional canción congoleña "Bana" cuenta con la carismática voz de su madre Yvonne.
"Eve está dedicado a las mujeres de África, a su capacidad de recuperación y a su belleza", dice Kidjo. "Estas mujeres tienen muy poco en lo material, pero cuando sonríen es como si hubieran saltado a la luna y estuvieran colgando de ella. Siempre y cuando seamos fuertes, vamos a seguir adelante con dignidad". Definitivamente, Eve se coloca como una de las cumbres de la impresionante carrera de Kidjo, una demostración de su absoluto nivel técnico, un álbum perfecto para quienes amamos y admiramos las culturas africanas.

Página web oficial: Angélique Kidjo, Batonga Foundation For Girls Education

tracks list:
01. M´Baamba (Kenyan Song)
02. Shango Wa
03. Eva (con ASA)
04. Interlude: Agbade
05. Bomba (con Rostam Batmaglij)
06. Hello (von Trio Teriba)
07. Blewu
08. Kamoushou
09. Kulumbu (con Dr. John)
10. Interlude: Kletedjan
11. Ebile (con Kronos Quartet)
12. Awalole (con Orchestre Philharmonique du Luxembourg)
13. Bana (con Yvonne Kidjo)
14. Orisha
15. Interlude: Wayi
16. Coari

Entradas relacionadas:Angélique Kidjo - Djin Djin

En su anterior álbum en solitario, L'âme dansée (2005), Driss El Maloumi se destacó por ser uno de los intérpretes de oud más prometedores de su generación. Makan (2013) lo eleva a la categoría de virtuoso del instrumento. Desde los primeros compases del disco se nos muestra como un verdadero maestro, alguien que combina una técnica asombrosamente segura con una inventiva juguetona.
Driss El Maloumi es un artista que pretende que las músicas, incluso las tradiciones milenarias, evolucionen serenamente fuera de los discursos fundamentalistas de aquellos que prefieren encerrar estas expresiones tradicionales en armaduras. Ama la tradición, su estructura, su fuerza, su dignidad. Sabe que está hecho de esta herencia, pero también de permeabilidad. El resultado de estas ganas de saber cómo reaccionará el oud al contacto de un zarb iraní o de una percusión venida de Madagascar le ha llevado a aventuras llenas de riqueza en los caminos emprendidos (desde hace casi una década) con Jordi Savall (último Premio Nacional de Música) y Montserrat Figueras en Hespèrion XXI, con 3MA (Ballaké, Sissoko y Rajery), con el trompetista Paolo Fresu, el israelí Armand Amar…

Esta trayectoria le ha llevado a dirigir el Conservatorio de su ciudad natal, Agadir, y destacar como especialista en filosofía y literatura árabe. Recolecta todas estas magníficas experiencias y comprueba como el oud las difunde en trío con la ayuda de percusiones, siempre respetando la noción de espacios. Precisamente el álbum fue grabado en Agadir, crisol de culturas, en esta parte de Marruecos donde se siente en un cruce esencial entre culturas árabes, amazigh, occidental y subsahariana. Las composiciones de Makan varían en estilo y estados de ánimo, de la canción con influencia magregí tradicional "Ayour" al experimentalismo de "Intidar", el sentimentalismo de "Douceur pour deux «R»" (dedicada a su esposa y a su hija) o la fuerza y velocidad que esgrime en "Tawazoun" y "Safar". Se acompaña por la voz de su hermana Karima y las percusiones de su hermano Said y Lahoucine Baquir (daf, darbouka, cajón, castañuelas…).
El brillo y la coloridad es la característica de este arriesgado trabajo, una demostración de que es posible agrandar el campo de expresión de un instrumento sin llegar a caer en la exposición inútil.

Página web oficial: Driss El Maloumi

tracks list:
01. Imtidad
02. Moudaaba
03. Nassim
04. Safar
05. Douceur pour 2 «R»
06. Tawazoun
07. Imtinan
08. Awzan
09. Le coin «D»
10. Khamsa
11. Ayour
12. Comme une joie
13. Intidar

Entradas relacionadas:Driss El Maloumi - L´âme dansée, Rajery, Ballaké Sissoko, Driss el Maloumi - 3ma

La violinista sueca Ellika Frisell y el cantante e intérprete de kora Solo Cissokho, un griot de Senegal, llevan tocando juntos desde hace más de quince años en una búsqueda de terrenos comunes entre el violín escandinavo y el sonido de la kora de África Occidental. Los dos publicaron dos álbumes como dúo, Tretkat Takissaba y Abaraka Tack (Xource, 2002 y 2005) y recibieron el BBC World Music Award. A Now se suma el célebre baterista y percusionista Rafael Sida, originario de México, un cercano colaborador Ale Möler, uno de los precursores de la escena de la world music sueca.
El trío entreteje melodías tradicionales del rico folk sueco con legados griot del oeste africano, aderezado con ritmos latinos de una manera tan armónica que las distancias geográficas y las diferencias culturales se disipan, sin dejar de destacar la fuerte individualidad de cada artista. Ellika, Solo y Rafael son narradores magistrales que pueden crear tramas detalladas y coloridas dentro de una canción. Un ejemplo es la encantadora "Sanka/Virrvals", una historia de agradecimiento a la sabiduría de una mujer hechicera africana, en el que se disfruta del hermoso escenario de la naturaleza sueca bailando al ritmo de bulerías, o la contagiosa "Dolo/Porque Se Fue", que cita a un gran éxito latinoamericano de 1964 de Leo Dan.

Ellika, Solo y Rafael vagan tranquilamente entre las tradiciones, yendo y viniendo, adornando y enriqueciéndose en un juego sin esfuerzo, de empatía y de apoyo, profundizando e innovando, sin prisas, en una extensa y emocional conversación. El popurrí "Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe" mezcla de forma natural y divertida canciones de los pueblos de montaña del oeste de Suecia, canto afrocubano y danza tradicional de África Occidental volviendo a desdibujar fronteras. "Djibril" está dedicada a Djibril, un gran intérprete del riti (violín de África Occidental) al que conocieron en Senegal, que suena como si estuviera dedicada a un héroe sueco. O "Saya/Vägen", que combina una conmovedora composición de Cissokho dedicada a la memoria de su hermana Fatoubintou con la delicada melodía del violín de Frissell, tema que despliega su secreto (es una celebración a la alegría de vivir) durante nueve minutos. Cierra el disco una hermosa canción tradicional de Guinea, "Wousse" (amor, "el amor es tan poderoso que no lo puedes comprar"), compartiendo la honesta y profunda conexión entre ésta y estos músicos únicos y extraordinarios. Una experiencia preciosa.

Personal:
Ellika Frisell: violin, viola.
Solo Cissokho: kora, voz.
Rafael Sida Hizar: percusión, voz.

facebook: Ellika Solo Rafael

tracks list:
01. Brudpolska efter Janissa Per Hansson
02. Sanka/Virrvals
03. Skänklåt från Bingsjö/Sahadougou/Kelefapolska/Kelefaba
04. Nanibaly
05. Dolo/Porque Se Fue
06. Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe
07. Casesolo
08. Djibril
09. Saya/Vägen
10. Wousse

The Tall Islands es el quinto álbum de estudio de este peculiar grupo que desde sus inicios explora y fusiona los ritmos latinoamericanos y caribeños con el sonido y los instrumentos de la música folclórica escocesa e irlandesa, convirtiéndose en muy poco tiempo en una de las bandas escocesas más populares de la actualidad.
Todo comenzó en 1996, en una sesión de un bar de Edimburgo con un pequeño grupo de artistas celtas y latinos que probaron a mezclar músicas celtas y caribeñas. El peculiar experimento dio lugar a Salsa Céltica. Poco después, la banda registraba su primer álbum, Monstruos y Demonios, Angels & Lovers (1997). Canciones del folklore sudamericano, son cubano, ritmos de salsa y rumba, improvisación, vivas melodías escocesas… todo en perfecta armonía musical estimulada por la cruda energía celta creando una ardiente atmósfera de baile en cada una de sus presentaciones en vivo. The Great Scottish Latin Adventure (2000) fue su segundo álbum, al que sucedieron El Agua De La Vida (2003, producción en la que se incluyo su tema mas sonado hoy por hoy, "Maestro"), El Camino (2006) y En Vivo En El Norte (2010).

En la actualidad, con varios cambios en su formación, la agrupación continúa fiel a su singular cóctel con voces salseras y celtas acompañadas por un divertido batallón de instrumentos: timbales, bongos, gaita escocesa, gaita irlandesa, birimbao (arpa judía), flauta celta, violín, banjo, trompeta, saxo, trombón, guitarra, piano, bajo… Sus múltiples presentaciones por las islas escocesas fueron su principal influencia para The Tall Islands. Así como otros discos de este conjunto abrían con "Salsa Céltica o "Rumba Escocia", temas que ya desde el título sintetizan la propuesta del grupo, éste lo hace con "Descarga Gaélica". A partir de aquí vemos que la banda tiene sus bazas más seguras en la voz del cubano Ricardo Fernández Pompa y en unos arreglos muy correctos, que más allá de las mixturas, son bastante fieles a la tradición. Su director y fundador, el guitarrista y percusionista Toby "El León" Shippey, coordina a las y los músicos procedentes de Cuba, Escocia, Irlanda, Argentina e Inglaterra, entre quienes participan (como invitados) el percusionista David Pattman (Charanga Del Norte) y la cantante y actriz Kathleen MacInnes.

Página web oficial: Salsa Céltica

tracks list
01. Descarga Gaélica
02. An Danns Elegua
03. Disfrútalo
04. Ven Guajira Ven
05. Fonn
06. Primavera
07. Canto Al Tiempo Pt. 2
08. He Mandhu (Aurel)
09. Rumba del Mar
10. Rolling Road
11. Canto Al Tiempo Pt. 1
12. Yo Me Voy II

Ana Moura pertenece a esa generación brillante que ha ido ocupando el vacío dejado por Amália Rodrigues, y en la que figuran fadistas como Mariza, Mafalda Arnauth, Katia Guerreiro, Cristina Branco, Joana Amendoeira, Ana Sofía Varela, Raquel Tavares, Carminho... sin olvidar a la pionera Mísia. Como tantas de ellas, Ana Moura ha cantado muchas noches en casas de fado de Lisboa. "Todas tenemos una única cosa en común y es el deseo de renovar el fado".
Esta intérprete de fado, y personalidad femenina en Portugal, es otra de las nuevas embajadoras de esta música portuguesa, considerado por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Su voz tan especial, su visión amplia de la música portuguesa en general y del fado en particular la han convertido en una estrella internacional. Sus canciones susurran emociones con una elegancia exquisita que marcan toda una época.
Nacida en Santarém, Moura fue descubierta por la gran fadista Maria da Fé siendo una adolescente, en una de las reuniones familiares de Navidad, y le propuso integrarse en el elenco de su casa de fado, "Sr Vinho". Ella asegura que su vida cambió cuando empezó a frecuentar las casas de fado porque allí no hay micrófono, es una experiencia muy íntima, y los nuevos aprenden de los más veteranos. En Sr. Vinho, cantando todas las noches con su voz de contralto, Ana Moura conoció al guitarrista, compositor y productor Jorge Fernando (que trabajó como productor de Amália Rodrigues entre 1978 y 1986) que se convirtió en su productor musical y cómplice.

En 2003, con su primer disco Guarda-me a vida na mão, la crítica enalteció la nueva voz y enseguida llegaron las invitaciones para actuar en el extranjero. En 2005, con su ambicioso segundo trabajo, Aconteceu, las fronteras empezaron a desaparecer. Es nominada para un Edison. Es la primera artista portuguesa en pisar el mítico escenario del Carnegie Hall de Nueva York y es invitada por Tim Ries (saxofonista de Los Rolling Stones) a participar en el recopilatorio The Rolling Stones Project vol. 2 (grabando para el proyecto "Brown sugar" y "No expectations", adaptadas al fado por Jorge Fernando y Custódio Castelo), interpretaciones que cautivaron a los integrantes de la banda por la potencia y calidad vocal de Moura, que terminó por cantar a dúo con Mick Jagger en el concierto de los Stones en Alvalade, Lisboa, en 2007.
Con su tercer disco, Para Além da Saudade, recibe el Premio Amália a la Mejor Intérprete de 2007, otorgado por la Fundación Amália Rodrigues. En 2008 gana su primer Disco de Platino, y su cuarta producción discográfica Leva-me aos fados fue Disco de Oro el primer día y su segundo Disco de Platino en su natal Portugal. En 2010, Ana Moura actúa en el Festival Super Bock Super Rock con Prince y pone su voz a los temas "Dar de Beber à Dor" y "A Sós com a Noite".
Y en su último trabajo Desfado, de 2012, traspasa los límites del género, incluyendo nuevos y viejos compositores de fado, piezas cantadas en inglés, y cuenta con la producción musical del multipremiado productor norteamericano Larry Klein.
Con Leva-me aos fados (producido por Jorge Fernando) tenemos la oportunidad de comprobar lo que los críticos portugueses destacan principalmente de ella: sus "cualidades primitivas y su sensibilidad natural, que fluye con facilidad sin ser premeditada". A disfrutar.

Página web oficial: Ana Moura

tracks list:
01. Leva-me aos fados
02. Como uma nuvem no céu
03. Por minha conta
04. A Penumbra
05. Caso arrumado
06. Talvez depois
07. Rumo ao Sul
08. Fado das águas
09. Fado vestido de fado
10. Crítica da razão pura
11. De quando em vez
12. Fado das mágoas
13. Águas Passadas
14. Que dizer de nós
15. Não é um fado normal
16. Esta Noite
17. Na palma da mão

Silt es el primer trabajo de la vocalista sudanesa Alsarah y su banda The Nubatones. Considerada como la "Nueva Estrella del Pop Nubio" por el diario británico The Guardian, la compositora y etnomusicóloga Alsarah describe el sonido de su grabación como East African Retro Pop, música que bebe de los sonidos de las décadas de los 60′s y 70′s de la música Nubia, perteneciente a la región situada en el sur de Egipto y el norte de Sudán.
Alsarah, sudanesa de nacimiento y asentada actualmente en Brooklyn, Nueva York, es la voz principal del grupo; forma parte del colectivo de artistas que promocionan la cultura del Nilo, Nile Project. Por otra parte, el proyecto de Los Nubatones se coció en medio de una conversación sobre música del norte de África entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser en la sala de la casa de este último. Posteriormente se unieron Haig Manoukian, un gran maestro del oud, y el bajista Mawuena Kodjovi.

Silt tiene sus raíces en la diáspora que sufrió la población Nubia cuando el gobierno egipcio construyó Aswan High Dam en 1970, un dique para controlar las inundaciones del rio Nilo, y que a su vez inundó grandes extensiones comprendidas entre el norte de Sudán del Norte y el sur de Egipto. Es la música olvidada del Sudán de los años 60 y 70, canciones que tienen como temática el exilio a la fuerza y el pasado nostálgico desaparecido. Especialmente conmovedor suena "Oud Solo" de Haig Manoukian, más si cabe tras conocer la noticia de su triste desaparición a principios de abril de 2014.
En definitiva, Silt es una propuesta que destaca como una muy acertada manera de revisar el pasado con respeto, incorporando la modernidad y encarando el futuro con originalidad.

Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

tracks list:
01. Habibi Taal (Traditional)
02. Soukura (It's Late) (Alsarah)
03. Nuba Noutou (Traditional)
04. Oud Solo (Haig Manoukian)
05. Bilad Aldahb (Ahmed Mounib)
06. Fugu (Shams Alhurria) (Alsarah)
07. Rennat (Alsarah)
08. Wad Alnuba ft. Sounds of Taraab (Alsarah / Black Star Musical Club)
09. Yanas Baridou (Traditional)
10. Nuba Drums (Solo) (Rami El-Aasser)
11. Jibal Alnuba (Traditional)

The Gloaming es un grupo de música irlandesa que traza nuevos caminos al conectar la rica tradición folclórica de Irlanda con la escena musical contemporánea de Nueva York.
Formado por cinco músicos virtuosos, se reunieron por primera vez en los estudios West Grouse Lodge West Meath, Irlanda, a principios de 2011 con la intención de explorar nueva música. Cada uno procedía de la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente con respecto a la tradición musical irlandesa. La primeras creaciones eran sencillas pero preciosas, auténticas y llenas de melodía, de un matiz totalmente diferente.

Los fundamentos tradicionales los pusieron el violinista Martin Hayes junto con el guitarrista y compositor de Chicago Dennis Cahill. El dublinés Caoimhín Ó Raghallaigh interpreta el violín, la viola de cinco cuerdas, y el violín de Hardanger (instrumento nacional de Noruega). Ó Raghallaigh también experimenta con instrumentos exóticos como la pellegrina (una especie de viola con la que se obtiene mayor resonancia acústica y confort a la hora de tocarla). Iarla Ó Lionáird es un maestro del estilo de canción irlandesa sean-nós ("a la antigua usanza") muy conocido como cantante con Afro Celt Sound System. Por último, se une a la formación el pianista estadounidense Thomas Bartlett (conocido como Doveman), que también produce el álbum The Gloaming, con el sello Real World.
¿El resultado? Una exquisita forma de acercar la música irlandesa al público general, inyectar un toque contemporáneo a la música celta creando un sonido propio.

Página web oficial: The Gloaming

tracks list:
01. Song 44
02. Allistrum´s March
03. The Necklace of Wrens / An Muince Dreoilíní
04. The Girl Who Broke My Heart
05. Freedom / Saoirse
06. The Sailor´s Bonnet
07. The Old Bush
08. Opening Set
09. Hunting The Squirrel
10. Samhradh Samhradh

Çiğdem Aslan es una prometedora estrella en el renacer del rebetiko, música de los exiliados y de los bajos fondos interpretada en los Café Amans de Atenas, Pireo y Estambul desde 1920. Con raíces profundas en el puerto de Smyrna/Izmir, el "Blues del Egeo" -como tambien es conocido el rebetiko- es compartido por griegos y turcos, se desarrolló en la parte continental de Grecia (debido a forzados intercambios poblacionales) y desde un principio estuvo proscrito por su marginalidad y su "orientalidad".
Çiğdem Aslan nació en la encrucijada cultural de Estambul: de familia kurda procedente de la comunidad aleví turca, desde siempre ha comprendido el mosaico étnico que compone la moderna Turquía. Trasladada a Londres para avanzar en sus estudios musicales, es en esta ciudad donde desarrolla su proyecto Songs of Smyrna, que celebra el rebetiko y la música sefardí de Turquía, y se une a la She'Koyokh Klezmer Ensemble y al grupo de música balcánica Dunav. Esta experiencia se cristaliza en Mortissa (mujer fuerte e independiente) su debut en solitario.

Mortissa es un álbum con canciones rebetiko en griego y turco, con raices musicales en Anatolia, con aires klezmer y con diversos matices en cuanto a sus textos. Junto a canciones de amor, nos encontramos con temas como "Çakıcı", que celebra la figura de Mehmet Efe (una especie de Robin Hood turco), mientras que “Ferece” es el grito de una mujer desesperada por escapar del velo que cubre su rostro, y "Pane Gia To Praso", que es un juego de palabras en torno al hachís y sus efectos. Aslan grabó la mayoría del disco con artistas de la comunidad musical griega y turca del norte de Londres, incluyendo al maestro del kanun Nikolaos Baimpas y a She'Koyokh.
Mortissa es más que música: es una ventana abierta a diferentes culturas e historias, "Lo que estoy haciendo es añadir detalles y destacar las similitudes entre las culturas", "esto demuestra que no hay fronteras culturales en la música". Çiğdem Aslan aborda el rebetiko con una naturalidad impresionante, evocando tiempos pasados con una interpretación fresca y de sencillez exquisita.

Página web oficial: Çiğdem Aslan

tracks list:
01. Aman Katerina Mou (Oh My Katarina)
02. Vale Me Stin Agalia Sou (Take Me In Your Arms)
03. To Dervisaki (Little Dervish)
04. Bir Allah (One God)
05. Pane Gia To Praso (Out For Leek)
06. Trava Vre Manga Kai Alani (Away With You, Manga)
07. Ferece (Veil)
08. Nenni (Lullaby)
09. Çakıcı
10. Sto Kafe Aman (At The Café Aman)
11. Uşaklı Kız (Girl from Uşak)
12. Kanarini (Canary)
13. S’agapo (I Love You)

Boulpik es un grupo que se formó en Puerto Príncipe hace una decena de años que, desde sus inicios, han dado continuidad a una tradición musical surgida en las calles, como animadores de plazas y de eventos privados, rememorando tiempos en los que las orquestas callejeras interpretaban multitud de piezas, pero también unos años donde el turismo llegaba a la isla y que hoy es raro de encontrar. Boulpik principalmente interpreta konpa, un sonido bailable que aparece en los años cincuenta del pasado siglo XX, ritmos de textura artesanal que rápidamente se extenderían por todas las calles y que llegará a ser el alma sonora de toda la isla, el konpa lakay.
"Chèche lavi", "busca vida". Una expresión en creole haitiano que resume la frase "buscar la manera de ganarse la vida", y sugiere que la vida no es algo que viene con facilidad, pero que es un objetivo a buscarse (como si estuvieras en una búsqueda de un premio perdido o tesoro enterrado). Así, Franckel Sifranc y sus compañeros músicos de Boulpik son busca vidas. Nada particularmente extraordinario ha sucedido en sus carreras. De hecho, su pasado es muy parecido la de otros millones de haitianos. Excepto que tienen un don para la música.
La historia de Boulpik es la historia de Franckel Sifranc (fundador del grupo), que comenzó hace alrededor de cincuenta años, en La Grand Anse, una remota región de la República de Haití, hacia el oeste. Pensando en su infancia en el pueblo costero de Dame-Marie, recuerda los sonidos de la "ti djaz" (little jazz): bandas acústicas de músicos aficionados que se llamaban así para ser distinguidos de la más prestigiosas "gwo djaz" (big jazz, bandas con sus modernos instrumentos y amplificadores). El ti djaz tocaba en las reuniones locales utilizando rudimentarios instrumentos locales: la guitarra de seis cuerdas Matamò (su nombre es un recordatorio de la fuerte influencia del Trío Matamoros en el género), la trè (una guitarra de origen cubano con tres cuerdas dobles) o incluso un banjo. La formación instrumental era completada por las cuerdas de un contrabajo o un maniboula (un idiófono desplumado basado en la marímbula cubana) y percusión: tambor, maracas y tabla de raspar o kaskayèt (claves) para acompañar al coro vocal que respondía al cantante principal.
Como un niño que crece en una familia dedicada al trabajo agrícola, Franckel no tenía idea de que un día utilizaría esos instrumentos para "buscar la vida". Unos años más tarde, al igual que miles de otros habitantes de zonas rurales, se vio obligado a moverse del campo a la capital, Puerto Príncipe, cuya población ha aumentado de quinientos mil a casi 3 millones en los últimos cincuenta años. Adolescente, Franckel llegó a la ciudad a finales de los años 70, invitado por un hermano mayor. Instalado en un modesto barrio en la parte baja de la ciudad, encontró trabajo como "manitas" y comenzó a explorar la capital, encontrándose con los muchos músicos que suministraban la banda sonora de la noche de la ciudad y el entretenimiento del turismo que en aquella época llenaba la isla caribeña. Franckel se convirtió en miembro de la banda Ti Okap. Hoy en día, todo lo que queda de la carrera del grupo son el nombre de su líder, los recuerdos de sus populares actuaciones en los diferentes hoteles, y el que fue la banda con la que Franckel aprendió a cantar y tocar maracas y kaskayèt.

Posteriormente, en 1980, decidió formar su propio grupo: Frère Desjeunes. Continuó interpretando con ellos durante más de veinticuatro años, pese a las frecuentes interrupciones causadas por los interminables trastornos sociopolíticos que sacudieron el país. Fue en 2004 cuando Franckel plantea un nuevo enfoque a la banda, transformándose en Boulpik e incorporando a cinco músicos jóvenes que él consideraba con más talento y compromiso que sus predecesores.
Desde Franckel comenzó, la situación en Haití ha cambiado radicalmente. De la época en que los músicos solían interpretar para ganar un poco de dinero extra, en la actualidad la música es su medio de trabajo. A diferencia de muchos otros, los músicos de Boulpik se han negado a emigrar (siempre es una tentación para los "busca vidas"). Siguen creyendo en su buena estrella y no muestran signos de derrota o autocompasión, sino más bien una determinación inquebrantable a confiar en la felicidad y en el buen rollo. Son otros tiempos y Boulpik no renuncian a cantar a la paz, al amor y a su país, la dignidad ante la adversidad.

Para saber más: "Vecinos: Boulpik – Nèg Dafrik"

tracks list:
01. Alakanpay
02. Boulpik Twoubadou
03. Si Lavi Te Fasil
04. Nèg Dafrik
05. Karol
06. Lakay
07. Rele
08. Jeremie
09. Twa Zan
10. Je Reviens Chez Nous
11. Souvenir d'Afrique
12. Lavi a Di

Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.
Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.
"Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.

Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.
En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.
En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.
(fuente: Aurelio– RealWord)

Página web oficial: Aurelio

tracks list:
01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
02. Nando (Leonardo)
03. Milaguru (Miracle)
04. Nafagua (I Will Try)
05. Nari Golu (My Golden Tooth)
06. Lándini (Landing)
07. Lirun Weyu (Sad Day)
08. Durugubei Mani (Evil People)
09. Irawini (Midnight)
10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
11. Nitu (Older Sister)
12. Chichanbara (Ginger)

Queen Between es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.
Susheela Raman nació en Londres, hija de emigrantes indios tamil. Se trasladaron a Australia donde Susheela se inició en la música clásica del sur de India y comenzó a cantar a temprana edad, posteriormente adquiriendo un gran interés por el blues y el funk que se hacía en aquella época en Sydney. Así, la fuerza de Susheela como intérprete esta enraizada en estas dos escuelas.
De regreso a Inglaterra en 1997, Susheela trajo consigo la idea de unir estas dos corrientes musicales. Irrumpió en la escena musical con su álbum de debut Salt Rain que vio la luz en 2001. Susheela Raman se ha dedicado desde entonces a investigar el crisol de culturas que es la música de la India para renovarla y presentarla acompañada de una gran voz y de su energía en el escenario.

Queen Between es su sexto disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India. En Queen Between, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Este disco es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.
En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

Página web oficial: Susheela Raman

tracks list:
01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo

Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.
Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.

Página web oficial: Raghu Dixit

tracks list:
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita

Habib Koité – Soô (2014)

Tamikrest – Chatma (2013)

Zaz – Recto Verso (2013)

Etran Finatawa – The Sahara Sessions (2013)

Africando – Viva Africando (2013)

Gotan Project – Best Of (2011)

Kronos Quartet - A Thousand Thoughts (2014)

Aziza Brahim – Soutak (2014)

Angélique Kidjo – Eve (2014)

Driss El Maloumi – Makan (2013)

Ellika Solo Rafael - Now (2013)

Salsa Céltica – The Tall Islands (2014)

Ana Moura – Leva-me aos fados (2009)

Alsarah & The Nubatones – Silt (2014)

The Gloaming – The Gloaming (2013)

Çiğdem Aslan – Mortissa (2013)

Boulpik – Konpa Lakay (2014)

Aurelio – Lándini (2014)

Susheela Raman – Queen Between (2014)

Raghu Dixit – Jag Changa (2013)