la uva y la parra

La Pegatina celebra diez años de carrera publicando su cuarto disco, un álbum en cuyo título festejan haber conseguido el sonido que buscaban, Eureka!. Podrían utilizar la misma palabra para mostrar su implementación en Europa, donde sus giras son recurrentes y exitosas. Llenan salas y festivales. Pero son sus disparatados conciertos de puro desenfreno y baile los que le han dado fama.
El grupo nació en 2003 en Montcada i Reixac (Barcelona) con el nombre de Pegatina Sound System, cuando Adrià Salas y Ovidi Díaz se unen a Rubén Sierra, que hasta la fecha tocaba en solitario, y deciden tirar adelante el proyecto. Al cabo de un año ya llevaban más de veinte conciertos a sus espaldas y empezaban a participar en festivales y conciertos en diferentes puntos de la geografía española. A finales del año 2006, aquello que se hacía nombrar Pegatina Sound System evolucionó a La Pegatina. A punto de grabar una maqueta, alguien les aconsejó que quizás era major grabar un disco.
Y así lo hicieron. A principios de 2007 aparecía Al Carrer!, la opera prima de La Pegatina. Un trabajo donde se recogían 12 canciones y un bonus track, todo marca de la casa, un estilo que no acababa de ser rumba catalana pero que promovía y prometía baile, juego y frescura en un mismo producto. Hicieron un intento de buscar discográfica, pero nadie estaba preparado para potenciar aquel disco en buenas condiciones, así que decidieron arrancar su propio proyecto. Se organizaron como una empresa, con departamentos incluidos, y se dedicaron plenamente. Hacía falta mucho trabajo: un buen directo que pudiera justificar el disco que habían sacado y una promoción inhumana para poder difundir su disco.
Al cabo de dos años La Pegatina se presenta con siete componentes, un directo producido por Gambeat (bajista de Radio Bemba), 4.500 copias vendidas, 180.000 descargas por internet y más de 250 conciertos a sus espaldas. En 2009 están preparados para presentar su segundo trabajo, esta vez con acordeón y trompeta incluidos, Via Mandarina, una via de esfuerzo pero también de frescura humana, honestidad y energía positiva.

Xapomelön (2011) es el álbum que consolida a La Pegatina. Contiene 21 temas donde se mezcla la rumba urbana de siempre con el merengue, la ranchera, la música disco, la cumbia y el ska. La novedad musical del disco es la incorporación de la batería, que permite ampliar el abanico estilístico del grupo.
Y llega Eureka! en 2013, el disco más pensado y elaborado del grupo catalán, cruzando rumba, merengue, son, tarantela y música popular de baile, y despreciando fronteras mentales cantando en varios idiomas. Coproducido junto a Marc Parrot, en el disco participan un buen puñado de amistades: Love of Lesbian (Catalunya), Romi Anauel (Angola, exvocal de Terracota), Baciamolemani (Sicilia), Esne Beltza (Euskadi), Mario Díaz (Andalucía) y el propio Marc Parrot. Pero La Pegatina no es solo un grupo de jarana, tiene discurso político y es abiertamente sentimental.
Como siempre, ofrecen su disco gratuitamente, una fórmula que se ha demostrado compatible con la venta de discos (suman más de 30.000 copias vendidas) y que ha llevado a la escena alternativa a crecer exponencialmente en los últimos años. Otra de las claves de su éxito sea, probablemente, el buen uso que hacen de las redes sociales y las nuevas tecnologías (a este disco le acompaña un videojuego para móviles, por ejemplo), llegando incluso a dar cursos para músicos.
A lo largo de estos diez años, La Pegatina ha crecido haciendo lo que nadie se esperaba y cuidando lo que sí que se les intuía: fiesta, esfuerzo, potencia, autogestión, adrenalina y cercanía. Y todo este tiempo de trabajo ha dado su fruto: ha llegado su momento "eureka".

Página web oficial: La Pegatina

tracks list:
01. Non è facile (feat. Baciamolemani)
02. Olivia (feat. Mario Díaz)
03. El curandero
04. La ciudad de los Gatos Negros
05. Il y A
06. No hi ha ningú (feat. Romi Anauel)
07. Amantes de lo ajeno (feat. Love of Lesbian)
08. Odissea
09. Mamma mia
10. Lléname de veneno
11. Bystro
12. Lloverá y yo veré
13. Flors i violes
14. Ara ve lo Bo (feat. Esne Beltza)
15. Sweet culito

University of Gnawa es el primer álbum de Aziz Sahmaoui, fundador, líder y compositor de esa entrañable Orchestre National de Barbès y ex acompañante de Joe Zawinul, reconocido como uno de los máximos impulsores de la música de jazz fusión. Un increible viaje a través de la música marroquí y senegalesa a través del prisma gnawa. Indudablemente, con los adelantos técnicos de hoy pero sin renunciar por ello a la autenticidad tradicional del famoso diálogo en canto-respuesta que contribuía a mantener vivos y con esperanza a los viejos esclavos nómadas de las caravanas.
Y no es de extrañar al revisar la trayectoria de Sahmaoui. En la Orchestre National de Barbès se mezclaban un montón de cosas, pero echando la vista atrás resulta que el "gnawa" era el pilar fundamental. Como botón de muestra, en el tema de apertura del presente disco ("Salabati") las qraqeb (las tradicionales castañuelas metálicas, crótalos, típicas del Atlas) suenan electrónicas y algunos coros nadan entre efectos de sintetizador. En este disco se perciben en toda su dimensión los entresijos de esta exótica y abductora música, donde tiene un papel muy importante el uso del guimbri, el ngoni y la percusión. A ello añadimos la energía y el poderoso genio vocal de este hombre que creció en Marrakech escuchando a los grandes músicos emergentes de la música marroquí, como Nass El Ghiwane, Hassan Hakmoun, la música chaabi o amazigh o los grandes maestros "gnawa".

Álbum producido por Martin Meissonnier, quien ha trabajado con artistas tan ilustres como los nigerianos Fela Kuti (exponente del género afrobeat) y King Sunny Adé, y Papa Wemba, el hechizo del Magreb se pasea por estos recomendables surcos, que nos enseñan lo importantes que son las alianzas musicales como ésta cuando hay talento de por medio.

Personal:
Aziz Sahmaoui: lead voice, ngoni, guimbri, mandole
Hervé Samb: guitar, vocal
Alioune Wade: bass, vocal
Cheikh Diallo: kora, keyboard, vocal
Amar Chaoui: percussions
Guillaume Pihet: percussions

tracks list:
01. Salabati
02. Maktoube (short version)
03. Ana Hayou
04. Kahina
05. Foufou Danba
06. Alf Hilat
07. Black Market
08. Miskina
09. Sawayé
10. Rofrane
11. Mimouna
12. Tamtamaki
13. Maktoube (long version)

En diciembre de 2010 salió el último disco de Imam Baildi, The Imam Baildi Cookbook (Recetario de Imam Baildi). Sus sonidos nos recuerdan a una orquesta griega de los años 50 revisitados e interpretados a través de instrumentos actuales y modernos.
Imam Baildi se creó en 2005 por los hermanos Orestis y Lyssandros Falireas, los cuales empezaron a mezclar melodías griegas de los años 1940, 50 y 60. El primer disco fue producido por Imam Baildi y con su propio sello (Kukin Music) y fue publicado por EMI Grecia. El segundo disco del grupo alcanzó el puesto 5 del Europa World Music Charts y permaneció en las listas más de 5 meses.

El toque de las antiguas melodías griegas y la música balcánica sirven de base para un sonido rítmico con percusiones, hiphop, rumba y ritmos de samba, todo ello aderezado por el saxo, clarinete, trompeta y solos de gaita además de la presencia del bouzouki típico e imprescindible del rembetiko y toques de guitarra zingara. No se puede olvidar la voz: MC Yinka anima a la multitud con su ragga jovial, y Rena Morfi llega a los corazones del público con su voz conmovedora. El resultado, un disco que procede principalmente de sus potentes directos, de composiciones recientes y de música balcánica, un trabajo para hacer bailar a todo el mundo.

facebook: Imam Baildi

tracks list:
01. Carantino Manouche
02. Busca Ritmo
03. Akroyialies Dilina (Akrogialies Dilina)
04. La Rumba No Miente
05. Loyia Adallaxame Varia (Logia Adallaxame Varia)
06. To Diko Sou To Marazi (To Diko Sou To Marazi)
07. Thlipsi (Thlipsi)
08. Kaϊxis (Kaixis)
09. Egypt Strut
10. Aryile Moth Yiati Svinis (Argile Mou Giati Svinis)
11. Ena Hasaposerviko (Hasaposerviko)
12. Ki Allo Hasaposerviko (And Another Hasaposerviko)
13. Ta Pedia Tis Gitonias Sou (Ta Paidia Tis Gitonias Sou)
14. Ta Hartina (Ta Hartina)
15. Lullaby

Entradas relacionadas:Imam Baildi - Imam Baildi

Imam Baildi es un popular plato de la cocina griega y turca: berenjena rellena con cebolla, ajo y tomates cocinado a fuego lento, en aceite de oliva. Es una estupenda mezcla, similar a la que los hermanos Lyssandros y Orestis Falireas hacen musicalmente junto a su banda. Un poco de electro, una pizca de hip hop y mambo, orquestación de una big band y una buena base de sonidos griegos, hacen de Iman Baildi un plato perfecto.
Su sonido es una mezcla urbana perfecta y única basada en la tradición griega de las bandas de los años cuarenta y cincuenta del siglo XX. Nada parecido hay en la música griega y no es un plato casero: más de ocho personas participan en esta banda. Han publicado dos discos desde 2007, teniendo un gran éxito en su país, Grecia. Además han estado en numerosas ocasiones en el top ten de las listas de "músicas del mundo" europeas. La banda está trabajando en su próximo trabajo previsto para finales de 2013.

Iman Baildi es un plato, que sin duda, hay que probar porque es irresistible.

Personal:
Orestis Falireas: DJ and bass
Lyssandros Falireas: drums and percussions
MC Yinka: vocals
Yiannis Diskos: sax, bagpipe, clarinet
Periklis Aliopis: trumpet
Labis Koutnourogiannis: electric guitar, vocals
Alexis Arapatsakos: bouzouki
Rena Morfi: vocals

facebook: Imam Baildi

tracks list:
01. Η Ζωή Μας Είναι Λίγη (I Zoi Mas Einai Ligi)
02. Δε Θέλω Πια Να Ξαναρθείς (De Thelo Pia Na Xanarthis)
03. Samba Clarina
04. O Πασατέμπος (O Pasatempos)
05. Comely
06. To Μινόρε Της Αυγής (To Minore Tis Avgis)
07. Τα Ξένα Χέρια (Ta Xena Heria)
08. Ντυμένη Σαν Αρχόντισσα (Ntymeni San Arhontissa)
09. Πόσο Λυπάμαι (Poso Lypamai)
10. Σούστα (Sousta)

Entradas relacionadas:Imam Baildi - The Imam Baildi Cookbook

Tiganá Santana es un cantante brasileño en busca de sus raíces afro-brasileñas, que revela con su música su propia visión moderna y ancestral del universo. Él es una de esas rarezas brasileñas que compone en parte de las lenguas africanas, refrescando nuestros oídos con sus armonías ancestrales. The Invention of Colour es su reciente trabajo, sin duda uno de los mejores discos de 2013.
Tiganá Santana se crió en la ciudad afro-brasileña de Salvador de Bahía, cerca de la costa brasileña del Atlántico en una casa situada en una colina, desde donde podía contemplar los diferentes estados de ánimo del mar. "Dependo de las vistas al mar, del horizonte, del Universo", dice Tiganá. Y estas vistas sobre el mar dan una resonancia poética a su música, el flujo sobre el agua templada. Las letras son profundamente filosóficas y místicas, como parte de la religión afrobrasileña candomblé. Canta sobre cuestiones universales, quiénes somos y de dónde venimos. África está fuertemente presente en su vida, el lugar donde sus ancestros vivieron muchos cientos de años atrás. Tiganá Santana canta en kikongo y kimbundu, y también en portugués, inglés, francés y castellano, jugando con el tranquilo acompañamiento de su guitarra-tambor en torno a la que se cierne su hermosa y cálida voz.

Su nuevo trabajo The Invention of Colour ha sido producido por el percusionista sueco Sebastián Notini, y grabado casi en su totalidad en Estocolmo, en el Stureparken Studio. En él participan todo un plantel de lujo artístico: las voces de Ane Brun y Mayra Andrade; el saxo de Joakim Milder, la kora de Maher Cissoko y las acuarelas y dibujos de Emanouel Araújo.
"La música de Tiganá es como un perfume de rítmica esencia y fragancia pura, ofrecido a la principal divinidad, la belleza natural afro-brasileña, la sofisticación y la elegancia" (Naná Vasconcelos)

Página web oficial: Tiganá Santana, ajabú!

tracks list:
01. Encarnacões em Kodya
02. Elizabeth Noon
03. Suite (Ogum de Ronda – Katende – Mukongo)
04. Black Woman (feat. Ane Brun)
05. Diálogo
06. La Leyenda de los Eslabones (feat. Mayra Andrade)
07. Lusuki
08. The Invention of Color (feat. Maher Cissoko)
09. Mama Kalunga

Cabo Verde cumple a la perfección su elemento de puente entre África, Europa y América. La apertura al mar; la conexión idiomática con los creadores de la bossa nova o el tropicalismo, y la siempre presencia del continente olvidado como referente de ritmos y nostalgia son las principales bazas de la música de Mayra Andrade.
Mayra Andrade representa el mestizaje convertido en forma de vida: nació en Cuba, hija de padres caboverdianos, se crió entre Senegal, Angola, Alemania y Cabo Verde, y vive desde 2002 en París.
En Lovely Difficult, su cuarto disco, Andrade se presenta dispuesta a dejar atrás en cierta medida la sombra de la world music para adentrarse así en un terreno de fértil pop con amplias vistas internacionales. La primera prueba de ello viene de la mano de su apertura a otros idiomas, escuchándola desenvolverse en portugués, criollo caboverdiano, francés e inglés.

Producido en Brighton, Inglaterra, por Mike Pelanconi, la composición de los treces cortes corre a cargo de la propia Mayra que cuenta con las aportaciones de Pascal Danaë, Krystle Warren, Mário Lúcio, Yaël Naïm, Hugh Coltman, Tété y Benjamin Biolay, caracterizando así cada una de las piezas y dotándolas si cabe de un mayor aroma internacional.
Lovely Difficult nos abre el corazón de Mayra en diversos momentos como con el apetecible tema "We used to call it love" o "96 days", que rezuman melancolía bajo una estructura de jazz. Nos permite revivir junto a ella su infancia caboverdiana en "Ilha de Santiago" (su eterno lugar de vacaciones) con alegría e incluso desparpajo veraniego que también presenta "Les mots d´amour"; la extraña simbiosis entre reggae y chanson, tan presente en este disco, como la balada "Le jour se lève". Tiende puentes de ida y vuelta hacia Brasil en "Rosa" y "Trés mininu", para al volver rescatar brevemente las sonoridades del África subsahariana en "Téra lonji", terminando con la bellísima balada "Meu farol" (dedicada a su madre, Dina Stela).
La apertura al pop y la internacionalización de sonidos es clara y evidente. La escucha de su último disco nos llevan a visitar los lugares y tránsitos comunes de su vida y, quizás, ese anhelo de crecer más allá de lo que una es, más allá de las raíces que atan a un pasado nunca olvidado. En Lovely Difficult, Mayra Andrade dibuja un mapa del mundo que recorre desde su Cabo Verde nativo hasta el pop europeo consiguiendo lo que ella llama "pop tropical".

Página web oficial: Mayra Andrade

tracks list:
01. Ténpu ki bai
02. We used to call it love
03. Build it up
04. Ilha de Santiago
05. Le jour se lève
06. A-mi-n kre-u txeu
07. Rosa
08. 96 days
09. Les mots d´amour
10. Trés mininu
11. Téra lonji
12. Simplement
13. Meu farol

Entradas relacionadas:Mayra Andrade - Navega, Stória, Stória...

Antes de escuchar este álbum maravillosamente grabado y producido, sólo nos habíamos encontrado con esta violinista, afincada en Londres, como una versátil intérprete de música de fusión (Rão Kyao, Eduardo Niebla, Bollywood…). Y resulta que Jyotsna Srikanth es también una virtuosa de la música Carnática, la música clásica del sur de India y Sri Lanka.
Call of Bangalore está completamente dedicado a esta música. Con un título que hace referencia a la ciudad natal de Srikanth, la artista interpreta temas instrumentales clásicos al violín y al estilo gayaki ("como si cantara"), acompañándose por dos grandes percusionistas: Patri Satish Kumar y N. Amruth. Kumar, como experto en mridangam (tambor de doble cara) y Amruth con el kanjira (pandero del sur de India hecho de piel de lagarto).

La música Carnática del sur de India se caracteriza por ser melódica y este disco es una buena muestra de ello. De hecho, este trabajo está grabado como si de un concierto en directo se tratara. Los conciertos de música Carnática empiezan con un Varnam, una larga pieza muy colorida, y así ocurre aquí también, comenzando con un trabajo muy dinámico al violín de Jyotsna. Y si este tema dura seis minutos, nada comparado con el extenso "Brovabarama" de casi cuarenta minutos, una composición del estilo Ragan Thanam Pallavi que se caracteriza por permitir a los músicos improvisar. Un corte lleno de pasajes suaves, pero también con partes más rápidas, donde se demuestra el virtuosismo de cada miembro del grupo. La joya de la corona de cualquier interpretación carnática. También hay una composición de Muttuswami Dikshitar, uno de los más famosos poetas y compositores de música Carnática del siglo XIX, "Annapoorne", un tema delicado dedicado a esa diosa hindú y que, sobre todo, expresa una gran armonía.
El disco se cierra con "Thillana", una pieza que acostumbra a tocarse para finalizar los conciertos y que suele utilizarse en espectáculos de danza. Un disco exquisito y extraordinario. Para disfrutar.

facebook: Dr. Jyotsna Srikanth

tracks list:
01. Varnam
02. Gopalaka Pahimam
03. Annapoorne
04. Brovabarama
05. Shobane
06. Thillana

Ballaké Sissoko vuelve a deleitarnos con su virtuosismo en la kora tras la preciosa experiencia con el celista francés Vincent Ségal, Chamber Music (2009), una pequeña joya fruto de la complicidad de dos maestros en sus instrumentos. At Peace cuenta con la producción del propio Ségal, pero en él es la kora la absoluta protagonista.
En At Peace, Sissoko interpreta piezas recuperadas de la memoria pero también de nueva creación, temas instrumentales que se mueven en la tradición mandinga (salvo en uno de los temas, el forró "Asa Branca” de Luiz Gonzaga) que tan bien conoce, haciendo que toda la tradición ancestral de los venerables griot avance hacia nuevas texturas sonoras contemporáneas que las hace universales. La kora suena cristalina, con destellos luminosos atemporales que beben de las melodías transmitidas de generación en generación, y una rítmica apacible, sensual y colorida en las emociones que produce su escucha.

El disco debía haberse grabado en Africa (como ya hicieron con el trabajo anterior) pero la actual situación de Malí ha hecho que fuese finalmente registrado en Angoulême, ciudad del sudoeste de Francia. De hecho, en los temas hasta los grillos se cuelan en piezas como "N´tomikorobougou", la más extensa del álbum. En las composicones juega con las diferentes combinaciones, desde el dúo de kora y violonchelo en "Kabou", un diálogo de amistad, entendimiento y creación conjunta, a los momentos de quinteto ("Badjourou", "Kalata Diata"), donde la riqueza melódica y tímbrica se hace sencillamente deslumbrante. Participan en el disco, además de Vincent Ségal, Aboubacar "Badian" Diabaté y Moussa Diabaté en las guitarras, y Fassery Diabaté en el balafón, utilizando la instrumentación para simular y ampliar la textura de la kora más que contrastar con ella. Un trabajo que deleita con su arte y su integridad.

tracks list:
01. Maimouna
02. Boubakala
03. Badjourou
04. Kabou
05. Nalésonko
06. Kalata Diata
07. N'tomikorobougou
08. Asa Branca
09. Kalanso

Entradas relacionadas:Ballaké Sissoko & Vincent Ségal - Chamber Music

Nynke procede de Frisia y canta en frisio, una lengua de rica historia y gran calidad poética, que sólo se habla en el norte de Holanda y está considerada por las y los lingüistas a mitad de camino entre el inglés y el holandés. Ella ha conseguido hacer de su idioma un elemento sonoro con el que ir construyendo su universo musical, fabricando un repertorio, una sonoridad y unas melodías que constituyen la semilla de lo que puede ser un nuevo estilo musical.
Nynke Laverman es una cantante que se considera una apasionada de cualquier tipo de música y que ha conseguido crear un estilo propio "mediterráneo-frisio". En su cuarta producción discográfica, Alter, la artista nos vuelve a sorprender re-inventándose una vez más. Para esta ocasión su exploración se dió por el lado del flamenco, y para tal ocasión eligió a uno de los mejores en este campo: el guitarrista Javier Limón. El madrileño ha producido a artistas como Buika, a la estrella del fado Mariza, a Anoushka Shankar, al pianista cubano Bebo Valdés o las estrellas del flamenco Paco De Lucia y Diego El Cigala entre otros.
"Siempre tengo estilos mediterráneos: en el primer disco fue el fado y en el segundo opté por influencias mejicanas. Hay algo en la música mediterránea, una melancolía, que me gusta", comenta Nynke. En su debut, Sielesâlt (Sal del Alma, 2004), la vocalista se centró en el fado portugués por medio de textos del reconocido poeta holandés J.J. Slauerhoff traducidos por ella misma al idioma frisio. En De Maisfrou (Mujer de Maiz, 2005) prefirió explorar los ritmos típicos de México, Argentina y Cuba mientras que para su tercera producción Nomade (Nomada, 2010) pasó un mes en las estepas mongolas buscando la inspiración.

Mientras escribía las primeras letras de Alter, descubrió a Javier Limón en un vídeo en el que acompañaba a la guitarra a Buika, y su talento le sorprendió tanto que no dudó en contactar con él ya que "cuando Javier toca la guitarra está contando una historia, con cada nota dice algo" destaca la cantante. "Le pregunté a Javier si debía seguir cantando en frisio o si debía probar inglés o incluso español, y me dijo rotundamente que no, porque el frisio es lo que me hace especial", señala Nynke, que dice de su lengua materna que es "la más cercana" a sus emociones, y que con ella no se puede "esconder".
Nynke es una artista en todo el sentido de la palabra y sus cuatro producciones hasta la fecha dan fé de ello. Aparte de su bella e intensa voz, la búsqueda constante por nuevos ritmos y sonoridades son otro de sus tesoros. En frisio, con su musicalidad, nos transmite un universo poético que traspasa barreras idiomáticas. Genial.

Más información: Songlines Magazine

Página web oficial: Nynke

tracks list:
01. Foarjiersfers (Spring poem)
02. Dûns Fan De Siedden (Dance of the seeds)
03. Nei Hûs (Home)
04. Foarsizzing (Harbinger)
05. Balts (Courtship)
06. Awaiting
07. Eftereach (Hind-eye)
08. Lit Los (Let go)
09. Tichter (Closer)
10. Wetterjuffer (Damselfly)
11. De Brulloft (The Wedding)

Chiwoniso Maraire, la cantante rebelde de Zimbawe, nos dejó el 24 de julio de 2013. Tenía 37 años. Maestra de la mbira, piano tradicional africano, no rehuyó en ningún momento el compromiso político frente a la tiranía de Robert Mugabe.
Chiwoniso no dudaba en cantar letras incendiarias con carga política y social criticando el régimen autárquico de Robert Mugabe. En su disco Rebel Woman, publicado en 2008 por el sello estadounidense Cumbancha, canta en shona y en ingles, y titula de esta manera su trabajo inspirada en un poema que recuerda el importante papel que jugaron las mujeres en la independencia de su país.
Decía que ella era como un espejo porque cantaba esencialmente sobre lo que veía que pasaba en el mundo. Su voz se parecía mucho a la de Angelique Kidjo, compartiendo con ella esa querencia por los metales, la polirritmia y esas figuras rítmicas de guitarra eléctrica tan propias del cono sur africano. Y en éste (y en muchos otros sentidos) el álbum es de una belleza intachable.
Chiwoniso Maraire, conocida en Zimbabwe como Chiwoniso o Chi, había nacido en 1976 en Estados Unidos, en la ciudad de Olympia, Washington, hija del maestro de la mbira y profesor de etnomusicología Dumisani Maraire, dos de cuyas obras fueron grabadas por Kronos Quartet en su disco Pieces of Africa. Creció oyendo música, ya que sus padres daban clases en casa. Su madre era cantante. Y recordaba en la banda sonora de su infancia y adolescencia a James Brown, Michael Jackson, Aretha Franklin, Roberta Flack, los Beatles y los Rolling Stones, pero también a Bach y Mozart. "Soy un cruce de culturas y de polinizaciones, igual que una flor", solía decir.
Se acompañaba con la mbira, el piano de pulgar también llamado sanza o kalimba, antiguo instrumento africano, tradicionalmente tocado por hombres, que consiste en una caja de madera sobre la cual están fijadas unas láminas metálicas que se pulsan con los pulgares. La tocaba en público desde los cuatro años. A los nueve ya había grabado un disco en compañía de sus progenitores y con once actuaba junto a su padre y sus hermanos.

En 1990, la familia de Chiwoniso regresa a Zimbabwe, comenzando a sonar su nombre como cantante del grupo de hip hop A Peace of Ebony. Ancient Voices, su primer disco en solitario, grabado en 1997, le valió el premio de Radio France Internationale al mejor artista novel. Entre 2001 y 2007 colaboró en un gran número de trabajos e interpretaciones junto con artistas y organizaciones a nivel internacional.
En 2005 el pianista y productor Keith Farquharson (que ya le produjo su primer disco) le propone grabar un nuevo álbum, al que Chiwoniso le dedica tres años: Rebel Woman. Grabado en Zimbabwe, Sudáfrica, Inglaterra y Vermont, el álbum cuenta con la participación de muchos de los músicos más respetados y admirados del sur de África. Louis Mhlanga (que ha grabado con Hugh Masekela) proporciona al álbum esos sabrosos toques de guitarra sudafricanos tan característicos. Sam Mataure (veterano de la banda de Oliver Mtukudzi) aporta sólidos ritmos rock, y Steve Dyer guía la sección de vientos.
El resultado es una colección de brillantes canciones que se pasean con soltura entre el soul y el afropop tomando como punto de partida el fascinante sonido de la mbira.
El álbum se abre con los riffs de guitarra eléctrica de "Vanorapa", una canción sobre el poder curativo de los ancianos (Chiwoniso cree firmemente en el poder de la espiritualidad tradicional shona y la capacidad de los ancianos para curar a la gente, incluso después de que han muerto y entrado en el reino de los espíritus), inspirada en un tema que su padre solía tocar con Mananzi III. En "Matsotsi" (La Tierra de los ladrones) canta las luchas económicas de la clase obrera. "Gomo" es un alegre tributo a las regiones de montaña de donde es originaria su familia.
En "Only One World", expresa su devoción por sus hijas y lo importante que es para las familias que tomen decisiones que tengan en cuenta a las generaciones futuras (Chiwoniso ha sido durante mucho tiempo una gran defensora de los derechos de la infancia, estando involucrada en la organización Mustle Africa que ayuda a la alfabetización de niñas y niños sin recursos). "Irobukairo" evoca la "chimurenga" del gran Thomas Mapfumo, uno de los grandes iconos de la música de Zimbabwe, apelando al cuidado de las relaciones de parejas y del hogar.
Y la pista que da título al álbum, "Rebel Woman", es un homenaje a las mujeres fuertes que sufren porque no siguen las restricciones que la sociedad trata de implantarles, "ésta es una canción sobre el cambio de esas normas". La canción sirve como un epílogo a un álbum magistral en el que Chiwoniso se pronuncia sobre el papel que las y los artistas tienen a nivel social: la responsabilidad de denunciar las injusticias sin temor a las amenazas del poder ni a la represión policial. "No importa. Tenemos esa responsabilidad".

Página web: Cumbancha

tracks list
01. Vanorapa
02. Matsotsi
03. Gomo
04. Nguva Ye Kufara
05. Kurima
06. Listen to the Breeze
07. Wakashinga
08. Irobukairo
09. Pamuromo
10. Nerudo
11. Only One World
12. Rebel Woman

Pink Martini, la "pequeña orquesta de Portland" (Oregón), es una banda absolutamente desenfadada y sin ningún tipo de complejos ni prejuicios a la hora de mezclar estilos tan diversos como jazz, lounge, latin music, cabaret o clásica, pero con un color propio inconfundible. Las distintas nacionalidades de las y los componentes de la banda contribuyen a configurar una diversidad de matices muy distintos y exóticos, consiguiendo una originalidad poco vista en cualquier otro grupo de características similares. Para describirlo, podríamos decir que se sitúa entre las bandas de baile cubanas de los años 30, una orquesta clásica de cámara, un pasacalles brasileño, una película de cine negro o un musical romántico de los años 40 o 50, pero con una perspectiva global y modernista. Son capaces de recoger distintas melodías y ritmos de diferentes partes del mundo juntándolos para crear algo totalmente novedoso. Otra gran cualidad de esta banda es su capacidad para mezclar composiciones propias con versiones de los más originales. Esta ecléctica manera de hacer música interpretada en diferentes idiomas y con estas características ha convertido a Pink Martini en una formación de culto.

Pink Martini debutó en 1997 con su trabajo Sympathique en su propia firma discográfica Heinz Records, nombre del perro de Thomas M. Lauderdale, líder e ideólogo de Pink Martini junto con China Forbes. En su disco de 2011, Retrospective, repasan sus éxitos más importantes desde el comienzo hasta ese año, una oportunidad para conocerles.
La banda de Portland ha tardado dieciocho meses en grabar este nuevo trabajo, que llega cuatro años después de Splendor in the Grass. Get Happy (2013) incluye canciones en alemán, francés, chino mandarín, japonés, castellano, persa, turco y rumano. En el disco participan como cantantes principales China Forbes y Storm Large (que sustituyó a China en un tiempo y que se incorpora definitivamente al grupo), así como colaboraciones de Ari Shapiro (corresponsal en la Casa Blanca para NPR Radio), el brillante Rufus Wainwright, The Von Trapps (bisnietos de María y Georg Von Trapp, familia de músicos y cantantes que huyó del nazismo durante la Guerra y que sirvió de inspiración para el musical "The Sound Of Music" -"Sonrisas y lágrimas"-), la extraordinaria artista de cabaret Meow Meow, la estrella de pop francés Philippe Katerine, el clarinetista de 95 años de edad (y último arreglista con el que contó Glenn Miller) Norman Leyden… y la legendaria pionera del mundo de la comedia Phyllis Diller, que canta "Smile" (poco antes de fallecer) escrita por un buen amigo suyo, Charlie Chaplin. El disco se presenta de forma original: un sobre con fotos polaroid hechas por Lauderdale en cuyos dorsos vienen las letras y los créditos de los temas. "Es una cabalgata de canciones en nueve idiomas distintos… y un disco para enamorarse o todo lo contrario… o para conducir o ¡incluso pasar la aspiradora!", explica Thomas M. Lauderdale.

Página web oficial: Pink Martini

tracks list
01. Ich dich liebe
02. Quizás, quizás, quizás
03. I´m waiting for you to come back
04. Omide zendegani
05. Yo te quiero siempre
06. Je ne t´aime plus
07. Zundoko-bushi
08. Până când nu te iubeam
09. She was too good to me
10. Üsküdar´a gider iken
11. Sway
12. Kitty come home
13. What´ll I do?
14. Get happy/Happy days are here again
15. Heliotrope bouquet
16. Smile

Entradas relacionadas:Pink Martini - Hang On Little Tomato, Hey Eugene!, Splendor in the Grass

Dry Martina hace canciones pop en castellano que miran con descaro hacia el soul de la Motown, se contonean con los sonidos funk setenteros, respiran humo de los clubes de jazz y se agitan con el rock de los años 50 del siglo XX. Pero sobre todo, Laura Insausti y su banda tienen mucho swing. Un estilo inclasificable al que denominan Retropop.
Laura Insausti, su hermano Rafa, Gerard Mases "Lere", Jaime Fernández y Javier Forero sacaron en el mes de mayo de 2012 su primer disco, Momento Perfecto, un álbum con el que coronaban una carrera que bajo el nombre de Dry Martina iniciaron en 2003, no sin antes probar fortuna con otras bandas locales de Málaga con las que comenzaron a darse a conocer como Duty Free, Miss Moneypenny o la Free Soul Band.

La banda concentra en su propio estilo todo ese abanico de sonidos que durante estos años y muchos conciertos ha ido almacenando, abanderando lo que algunos se han atrevido a etiquetar como retropop.
Canciones para tararear en la ducha (2007) fue su primera demo con la que captaron la atención de discográficas y managers, y el comienzo de un proceso creativo que quedó reflejado en un Ep de cuatro temas editado por BMG, Musarañas, con el que consiguieron actuar en diversos festivales, salas y teatros del país y que logró que le abriesen las puertas en su esperado Momento Perfecto (2012).
Con Momento Perfecto el grupo toma las riendas de la autogestión con su propio sello, Contraproducciones, en el que controlan cada paso del proceso creativo y su forma de presentarse al mundo, desmarcándose así de una industria discográfica que impone sus criterios de masificación. Grabado en Estudios Reno (Madrid), DM Estudio (México) y la Escuela de Música de Alhaurín (Málaga), y producido por Sietepulgadasrecords, Martín García y el propio grupo, han vestido sus composiciones de elegantes trajes a medida, aunque luego flirtean además con el mambo, el rocksteady y hasta el folk, consiguiendo con esta mezcla el sonido Dry Martina, algo propio que la Crítica califica de original y fresco.
"En Momento Perfecto están todas la músicas que hemos escuchado durante todos estos años. Desde el rock al jazz, pasando por el ska e incluso el mambo", señala Laura Insausti sobre su primer trabajo, con el que han conseguido el "Premio al mejor álbum de jazz y músicas contemporáneas" de los V Premios de la Música Independiente de la UFI (Unión Fonográfica Independiente) de España.

Página web oficial: Dry Martina

tracks list:
01. Memoria de pez
02. Quién Sabe
03. He Perdido El Swing
04. Momento Perfecto
05. Pierdo Los Papeles
06. Algo Más
07. Saltarnos el guión
08. Musarañas
09. En busca del sonido
10. Se Dice
11. Woody

La arpista más célebre de Gales, Catrin Finch, ha unido su maestría con el virtuosismo en la kora senegalesa de Seckou Keita para grabar Clychau Dibon (2013), un precioso disco instrumental en el que convergen la música mandinga de África occidental y las antiguas melodías del País de Gales. Finch y Keita han aceptado el difícil reto de conjugar dos culturas musicales creando un trabajo sublime, coherente, pertinente y totalmente novedoso.
Catrin Finch es una las arpistas más importantes de los últimos años y, seguramente, la artista que más ha hecho por elevar el aprecio de dicho instrumento entre el gran público. Fascinada por el arpa desde temprana edad (sobre todo, al conocer las interpretaciones de la española Marisa Robles), Catrin ha tocado por todo el mundo en solitario, junto a las mejores orquestas (The Royal Philharmonic, The New York Philharmonic y The Boston Pops) o con grandes artistas, y uno de sus grandes logros, hasta la fecha, ha sido su versión completa de las Variaciones Goldberg de Bach. Pero en los últimos tiempos, sin abandonar del todo la música clásica, Catrin ha comenzado a coquetear con otros estilos colaborando, por ejemplo, con el grupo colombiano Cimarrón o con el maestro de la kora Toumani Diabaté.

Seckou Keita es conocido como "el Jimi Hendrix de la kora". Nacido en Senegal en el seno de una familia de griots (los Cissokhos) y descendiente del rey mandinga Sundiata Keita, se distingue de otros músicos en sus sonidos inimitablemente propios, conviertiéndose en uno de los intérpretes actuales de kora más innovadores y creativos. De hecho en su currículum cuenta, entre otros trabajos, el delicioso The Silimbo Passage (2008, con su quinteto) y Miro (2012), un viaje lírico a través de los continentes con aportaciones de artistas de Senegal, Gambia, Burkina Faso, Cuba, Colombia, Madagascar, Guinea, Mali y España.
El arpa ocupa un lugar fundamental en las increíblemente ricas culturas de África Occidental y Gales, y las dos naciones comparten una tradición de siglos de antigüedad de historia oral expresada a través de la música, la canción y el verso. Las notables afinidades entre el arpa y la kora se fusionan en este álbum Clychau Dibon, editado por Astar Artes y producido por John Hollis, una auténtica maravilla en la que los ritmos africanos se funden con melodías celtas y viceversa, junto con composiciones originales escritas por Keita. Todo un gozo para los oidos y el espíritu.

Página web oficial: Catrin Finch, Seckou Keita

tracks list
01. Genedigaeth Koring-bato
02. Future Strings
03. Bamba
04. Les Bras de Mer
05. Robert Ap Huw meets Nialing Sonko
06. Ceffylau
07. Llongau Térou-bi

Entradas relacionadas:Seckou Keita SKQ – The Silimbo Passage

Desde el vibrante crisol multicultural de Marsella llega el álbum debut de Temenik Electric, una exquisita excursión por el rock árabe que se extiende a ambos lados del Mediterráneo. Las irregulares guitarras eléctricas y los ritmos de rock de canciones como "Hel El Bab" y "Arteni Boussa" suenan con la energía de Led Zeppelin o U2, evocando el espíritu de agitación de Rachid Taha o Cheikha Rimitti. Pero las contagiosas melodías pop y los golpes electro-rock no son más que un elemento de una espléndida hibridez que también recoge ritmos tradicionales gnawa, chaabi, raï e influencias procedentes de todo el Magreb con ouds hipnóticamente interpretados y otra instrumentación.
El rock árabe de Temenik Electric no es una copia de los formatos angloamericanos. El rock de Temenik Electric, liderado por el cantante y compositor Mehdi Haddjeri, procede de un lugar muy diferente, elaborando un sonido que está esencialmente enraizado en el espíritu del norte de África pero que toma el lenguaje de la música rock occidental y absorbe dinámicamente el linaje continuo de la cultura musical árabe. Es la "fusión" en su esplendor y, como Tinariwen, un emocionante ejemplo de la habilidad de las y los artistas para abrazar la guitarra rock occidental y, aún así, sonar rabiosamente original, robusta y sin adulterar.

Personal:
Mehdi Haddjeri (voz, guitarra, coros)
Jerôme Bernaudon (bajo, coros)
Hassan Tighidet (guitarra)
Djamel Taouacht (batería, percusión, coros)
Mathieu Hours (programación)

Página web oficial: Temenik Electric

tracks list:
01. Li Fèt Mèt (part 1)
02. Ness Jirènin
03. Dèouni
04. Hel El Bab
05. Arteni Boussa
06. Faïn Kount
07. Ouesh Hada
08. Rikha
09. Haïnik
10. Li Fèt Mèt (part 2)
11. Chibani

La noche más larga es el sexto álbum de estudio de la mallorquina Concha Buika, que recoge temas clásicos de diferentes estilos pero que han marcado diversos momentos de su vida, reinventándolos y dotándoles de pasión y emoción a partes iguales.
La noche más larga es el primero que publica con material nuevo desde que lanzara el recopilatorio En mi piel en 2011. El último trago, grabado en 2009 junto a Chucho Valdés, le valió el Grammy Latino 2010 "Mejor Álbum tradicional tropical". Las canciones que escogió Pedro Almodovar para su película "La piel que habito" ("Por el amor de amar" y "Se me hizo fácil") terminaron de catapultarla internacionalmente. Y un artículo publicado online en 2010 en npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
Su nuevo disco contiene doce canciones. Buika firma cinco de ellas, entre las que se incluyen dos composiciones que ya grabó para En mi piel, y que reaparecen ahora en versiones radicalmente distintas, empapadas de la fuerza de una artista que desafía las dictaduras de los estilos. Así, "Cómo era" y "Sueño con ella" se convierten en parte de esa travesía que surca las aguas del jazz, el flamenco, las músicas africana y cubana, rumbo a un estilo propio, "muy Buika", con compañeros de viaje como el guitarrista Pat Metheny, que la acompaña en "No lo sé". La noche más larga cuenta, además, con siete versiones que también definen su universo sonoro. Temas de Roque Narvaja, Rodolfo Páez, Billie Holiday, Abbey Lincoln, Dino Ramos, Ernesto Lecuona y Jacques Brel, y standards del jazz en inglés como "Don´t explain" y "Throw it away", composiciones que la mallorquina se lleva a su territorio de pasión.

En compañía de "sus dos pilares, sus niños, dos grandes eminencias", como ella les llama, que son Iván "Melón" Lewis (piano, teclados, percusión, arreglos y dirección musical) y Ramón Porrina (percusión, coros, arreglos), Buika ha producido este álbum junto a Eli Wolf, registrado entre los BB&B Studios de Miami y en los Sear Sound Studios de Nueva York. También colaboran John Benítez (bajo), Juan José Suárez "El Paquete" y Carlos de Motril (guitarras flamencas), Carlos Sarduy (trompeta) y Dafnis Prieto, Israel Suárez "El Piraña" y Pedrito Martínez (percusión). Así es La noche más larga, una obra que su autora describe como un bonito adiós y un maravilloso saludo de bienvenida. "Yo soy de caminos, no de metas. Empezaba a tener sensación de querer llegar a una meta y no. A mí me gusta el riesgo".

Página web oficial: Buika

tracks list:
01. Sueño con ella (versión 2013)
02. Siboney
03. Ne me quitte pas
04. Yo vengo a ofrecer mi corazón
05. La nave del olvido
06. La noche más larga
07. Don't Explain
08. No lo sé (feat. Pat Metheny)
09. Santa Lucía
10. Los solos
11. Como era (versión 2013)
12. Throw it away

Entradas relacionadas:Buika - El último trago

Family Atlantica es la historia de un encuentro, cuando una mezcla impensable de energias, influencias y sonidos procedentes de tres continentes bañados por el Atlántico, decide conectarse para terminar grabando un disco tan genuino como arriesgado y sorprendente. Un álbum que evoca los legados del son cubano, el calipso y la más profunda tradición folclórica venezolana (la percusión afro y el canto campesino) junto con higlife ghanés, blues etiope, spiritual jazz y psicodelia.
La génesis de Family Atlantica sucedió cuatro años atrás, cuando el londinense Jack Yglesias, multiinstrumentista y productor que ya hizo historia con el proyecto de jazz The Heliocentrics, conoce a la poeta y cantante venezolana Luzmira Zerpa. Se convierten en pareja y cuando comienzan su colaboración musical aparece el percusionista africano Kwane "Natural Power" Crentsil (mitad nigeriano mitad ghaniano), un apasionado de la percusión sin fronteras. Al indiscutible talento de este trío, se suma el aporte de la leyenda del jazz etíope Mulatu Astatke (piano), tres generaciones de la familia Zerpa, el griot senegalés Nuru Kane (guembri) y el combo afro-cubano Yoruba Andabo. Cuatro temporadas de ensayos más tarde, finalmente ve la luz el que para la Crítica, Manu Chao incluido, será uno de los discos del año: su debut, titulado sencillamente Family Atlantica.

El encanto del álbum, grabado entre Londres y Venezuela (Barquisimeto, Sanare y Tacarigua), reside en su multiplicidad de sonidos, ritmos y frecuencias musicales: hay rumba cubana, tonada venezolana, highlife ghaniano, son, blues etíope y calipso. Pero no menos importante es su autenticidad, tradición en sintonía con la actualidad, gratas dosis de nostalgia y renovación sonora, de esas a las que nos acostumbran las grandes obras que han sabido reinventar las viejas escuelas.

Página web oficial: Family Atlantica

tracks list:
01. Fly Through The Lightning To Speak With The Sun
02. Incantation To The Ancestors
03. Arena
04. Cumbacutiri
05. Libation At The Gate Of No Return
06. Jaia
07. Manicero
08. Pranto Do Banzo
09. Escape To The Palenque
10. El Apamate
11. El Negrero (The Slave Ship)
12. Gaita Psychedelica
13. Myths And Proverbs
14. Clavelito Colorado
15. Eboka Ritual
16. Tamunangue Blues
17. The Griot's Blessing
18. Pescador Saharawi
19. La Familia
20. Speak To The Spirit Of The Sea

Niyaz, que combina tradiciones de Oriente Medio y del este de Europa con una armadura electrónica, edita en 2013 una versión acústica de Sumud, publicado en 2012, intentando visibilizar la situación de la inmigración y de los grupos étnicos y religiosos minoritarios que luchan por mantener su identidad.
La música y el mensaje de Niyaz nos sumerje en una búsqueda filosófica en las profundidades humanas. Es un viaje lleno de un mensaje de esperanza contra la injusticia y la opresión, un homenaje universal a la belleza, la diversidad cultural y espiritual, la libertad y la dignidad para todas y todos.
Formado por la vocalista iraní Azam Ali (la mitad del dúo Vas), el multi-instrumentalista Loga Ramin Torkian (fundador de Axiom of Choice), y el también productor californiano Carmen Rizzo, el trío debutó con Niyaz (2005), insertando poesía sufí de místico aliento en estructuras rítmicas de reconocible actualidad. Sumergiéndose en el folk persa y turco, grabaron Nine Heavens (2008), como para ayudarnos a imaginar ese viaje celestial que nos espera (con base en las creencias de cada quien) y entender las dificultades del exilio que padecen muchas personas únicamente por su forma de pensar.

Sumud (2012), que significa (traducido del árabe) "firmeza", es una llamada simbólica y directa a la aceptación de las minorías étnicas y religiosas, sobre todo en países de Oriente Medio, como Azam Ali explica "todo ser humano debe heredar el derecho a vivir con dignidad y libertad en la tierra en la que nace". Para este trabajo, Niyaz construye su música basada en canciones tradicionales de Irán, Turquía y Afganistán, la música tradicional kurda e interpretaciones de obras de poetas Alevi-Bektashi del siglo XVII, y del místico y poeta del siglo XI Baba Taher.
El énfasis en la estructura y el funcionamiento de la canción es la fuerza impulsora detrás de la música de la banda, razón por la que Niyaz mantiene su compromiso de presentar al público versiones acústicas de los temas de sus álbumnes. Sumud The Acoustic EP (2013) está integrado por seis temas (tres del álbum electrónico y tres nuevos temas) que buscan aún más naturalidad en el resultado de este increible eclecticismo que nos hace más próximo el Oriente Medio.
Las tres nuevas canciones que aparecen en la versión acústica son temas compuestos por Niyaz. La pista "Sahar" es una pieza escrita para el santur (dulcimer martillado persa) y el cümbüş turco. "Nalona" es un viaje ambiental a través de paisajes sonoros creados por Loga en guitarra viola y Azam cantando en un idioma de su propio diseño. Y "Naseem" es un dúo entre la voz de Azam Ali y el percusionista y flautista de Niyaz, Habib Meftah Boushehri. Junto con las otras tres versiones acústicas, Sumud The Acoustic EP constituye un trabajo que es todo un deleite para los oidos… y para el espíritu.

Página web oficial: Niyaz
facebook: Niyaz (Official Site)

tracks list:
01. Sahar
02. Nalona
03. Mazaar (acoustic, feat. A.R. Rahman)
04. Vafa (acoustic)
05. Parishaan (acoustic)
06. Naseem

Entradas relacionadas:Niyaz - Niyaz, Nine Heavens, Azam Ali – From Night To the Edge of Day

La Yegros combina ritmos tradicionales de su originaria selva del noreste de Argentina con un estilo urbano influenciada por su residencia en la cosmopolita Buenos Aires. Viene de Mí (2013) es su primer disco en solitario, canciones con un tratamiento electrónico bailable que van desde la cumbia hasta el chamamé.
La Yegros (que es como se conoce a Mariana Yegros) es cien por ciento power latino. Su voz grita el calor de la cumbia y el chamamé, y su espíritu transmite la fuerza femenina. Y no es precisamente una artista nueva. Ha tocado en escenarios importantes del mundo como parte de ZZK Club, incluyendo el Summerstage de Central Park y Roskilde Festival en Dinamarca (2009), habiendo hecho su debut profesional en 1998 con la producción argentina de De La Guarda frente a quince mil personas.
Su proyecto solista es producido por Gaby Kerpel, también conocido como King Coya, para ZZK Records. La Yegros y King Coya ya participaban en la banda Terraplén, que lanzaron Terraplén en 2010, producido por Gustavo Santaolalla, un cruce entre el folclore argentino y las nuevas tendencias de la música electrónica.

Viene de Mí es un disco que se empezó a gestar en 2008. Con referentes musicales que abarcan desde Björk a la colombiana Petrona y Café Tacvba, los temas son autoría de la propia artista, Daniel Martín y King Coya, contando con una versión de un tema boliviano del grupo Norte Postosí y la interpretación de una invitada especial (Miss Bolivia, el proyecto musical de Paz Ferreyra). "Viene de Mí habla mucho de las emociones y relaciones humanas, el amor, la soledad, la discriminación, la alegría, desolación, el pueblo y su cultura", comenta en Lifestyle Kiki.
Ritmos frenéticos y acordeón se mezclan con electrónica para caracterizar el nuevo sonido de la cumbia: nacida en Colombia pero infiltrada en algunos de los locales más importantes de Buenos Aires. Con tonos altos de cantos indígenas del amazonas y una onda relajada de una rapera chic, La Yegros sale a los conciertos como la reina de la escena celebrando su groove contagioso con el público.

facebook: La Yegros

tracks list:
01. Viene De Mí
02. Trocintro
03. Trocitos De Madera
04. Cariño
05. Iluminada (feat. El Gato Muñoz)
06. Vagar
07. El Bendito
08. Ya No Llores (feat. Miss Bolivia)
09. Solo
10. Que Me Hizo Mal

Gipsy Rhumba es el primer álbum publicado fuera de España que se centra, con rigor, en la historia de la rumba catalana, un estilo musical que se gestó en la Cataluña de los primeros años 60 del siglo XX, híbrido entre música latina, cubana, caribeña y, por supuesto, flamenca, con toques del emergente rock ´n´ roll de entonces que se expandía por todo el planeta.
Editado por el sello británico Soul Jazz, el recopilatorio ha tardado casi cinco años en ver la luz gracias a dos personas clave para la materialización de este trabajo: David "El Indio" (baterista de Vetusta Morla) y José Manuel Gómez (DJ Gufi, locutor del programa "Planeta Jondo", en Radio Gladys Palmera).

Editado digitalmente y en vinilo, en él se incluyen dos libretos de 60 páginas en el que se cuenta la historia de la rumba catalana, así como diversas fotografías de la época realizadas por el fotógrafo francés Jacques Léonard, el payo Chac, quien, casado con la gitana Rosario Amaya, pudo documentar en primera línea el surgimiento y desarrollo de este género musical. DJ Gufi, el autor de las prolíficas notas de Gipsy Rhumba, cuenta los primeros tiempos de la rumba catalana: "la rumba jamás hubiera existido sin la presencia de guiris… los extranjeros que iban a los tablaos difícilmente podían participar del flamenco serio y cabal. Así que los artistas echaron mano de las canciones que llegaban de Nueva York o del Caribe, y las simplificaban para que los turistas pudieran tirar un paso y arrancarse a bailar. Lo que no sabían es que estaban inventando un ritmo nuevo que ahora, medio siglo después, muestra su palpitante actualidad".
Aunque no están todas y todos los que son, este trabajo constituye una estupenda oportunidad para descubrir el gran tesoro oculto de la música española: la rumba pop, especialmente la sabrosa variedad denominada rumba catalana.

Para saber más: "Gipsy Rhumba: el origen de la rumba desvelado a los guiris"
"Léonard, el fotógrafo entre gitanos"

tracks list:
01. Rabbit Rumba — Nuestro Ayer
02. El Noi — Labios Morenos
03. Los Gitanos Polinais — En El Fondo Del Mar De Lima
04. Antonio González — Sarandonga
05. Peret y Sus Gitanos — La Fiesta No Es Para Feos
06. El Gitano Portugues — Fuí A Bahia
07. Maruja Garrido — Che Camino
08. Juncal y Sus Calistros — Tequila
09. Moncho y Su Wawanko Gitano — Orisa
10. Peret y Sus Gitanos — Voy Voy
11. Dolores Vargas — Anana Hip
12. Chango — El Guapo
13. Ramonet y Sus Rumberos — Bacalao Salao
14. Lola Flores y Antonio González — Meneito Men
15. Dolores Vargas — A-Chi-Li-Pu
16. El Noy — El Loco
17. El Noi — Si, Compay
18. Chacho y Sus Rumbas — El Pan Y Los Dientes
19. Maruja Garrido — Amanecí En Tus Brazos
20. Antonio González — Levántate

La Pegatina – Eureka! (2013)

Aziz Sahmaoui & University of Gnawa – University of Gnawa (2011)

Imam Baildi – The Imam Baildi Cookbook (2011)

Imam Baildi – Imam Baildi (2007)

Tiganá Santana – The Invention of Colour (2012)

Mayra Andrade – Lovely Difficult (2013)

Feliz Navidad... y no te rindas!

Jyotsna Srikanth - Call of Bangalore (2013)

Ballaké Sissoko - At Peace (2012)

Nynke - Alter (2013)

Chiwoniso – Rebel Woman (2008)

Pink Martini - Get Happy (2013)

Dry Martina – momento perfecto (2012)

Catrin Finch & Seckou Keita - Clychau Dibon (2013)

Temenik Electric – Ouesh Hada? (2013)

Buika – La noche más larga (2013)

Family Atlantica – Family Atlantica (2013)

Niyaz – Sumud The Acoustic EP (2013)

La Yegros – Viene de Mí (2013)

Gipsy Rhumba - The Original Rhythm of Gipsy Rhumba in Spain 1965-1974 (2014)