la uva y la parra

La kora es un instrumento tradicional africano, mezcla entre arpa y laud, que se construye con una calabaza gigante. Su máximo exponente es la familia Diabaté, quienes generación tras generación han aprendido todos los entresijos de este mágico instrumento. La tradición en el uso de la kora está vinculada a la tradición de los griots, cuentahistorias y poetas propios de la cultura mandinga, cuya antigüedad se remonta al siglo XII. Los griots gozan aun en la actualidad, si bien quedan pocos, de una gran consideración social, y son la referencia de la tradición, de la memoria cultural y la genealogía de su entorno, así como un elemento casi indispensable en cualquier reunión social.
Toumani Diabaté ha cumplido 50 años de edad, de los cuales ha pasado más de cuarenta buscando en los rincones de su kora el aliento esencial del blues africano y los puntos de encuentro con otros países del imperio Mandinga. Afirma, por ejemplo, que su Symmetric Orchestra"escenifica a la perfección la reconstrucción de este antiguo imperio compuesto por Malí, Senegal, Costa de Marfil, Burkina Faso, Níger y Mauritania. Por el contrario, en lo que hacemos Sidiki y yo las canciones pueden provenir del mismo periodo -siglos XII y XIII-, pero, en los arreglos finales, ponemos al día el mensaje, modernizándolo".

Considerado como uno de los músicos más influyentes de África, es conocido no sólo por interpretar música tradicional, sino por mezclar la kora con otros estilos como el flamenco o el jazz y por colaborar con artistas de la talla de Ali Farka Touré, Taj Mahal, Ketama o Björk, entre otros. Su hijo, Sidiki, además de ser otro virtuoso de este instrumento (como era de esperar en la familia) es uno de los más reputados productores de hip hop en África.
Padre e hijo se han unido y han grabado en 2014 Toumani & Sidiki, un disco que la crítica de música ya ha clasificado como clásico y que dispone de antecedentes evidentes en Cordes Anciennes y New Ancient Strings, editados en 1970 y 1999 respectivamente. El álbum, un mano a mano entre Toumani y Sidiki, el maestro de la kora y su mejor alumno, los dos músicos africanos que mejor dominan este instrumento, transmite emoción, alegría y rebosa elegancia. El disco funde pasado y presente del instrumento, diez temas en la que ambos artistas viajan por diferentes culturas musicales de Malí, contribuyendo a actualizar los mejores ingredientes del acervo popular mandinga. Toda una declaración de amor infinito por la propia tierra, un deleite para los sentidos, un trabajo distinguido en los Songlines Music Awards 2015 en la categoría de "Best Group".

Página web oficial: Toumani & Sidiki

tracks list:
01. Hamadoun Toure
02. Claudia & Salma
03. Rachid Ouiguini
04. Toguna Industries
05. Lampedusa
06. Bagadaji Sirifoula
07. Tijaniya
08. Dr Cheikh Modibo Diarra
09. A.C.I. 2000 Diaby
10. Bansang

DEM Ensemble es la formación extendida de DEM Trio, un proyecto que, desde sus inicios, ha reivindicado los sonidos del bağlama y el tambur, instrumentos de referencia de la música folk de la península de Anatolia. En DEM Ensemble participan Murat Salim Tokaç (tambur y ney), Emre Erdal (kemençe ó kamanché clásico), Cenk Güray (divan saz y cura), Atilla Akıntürk (kanun) y Erdem Simsek (bağlama).
El segundo disco de la formación instrumental turca avanza en su viaje musical, el álbum está dedicado a la historia musical de Estambul como un interesante crisol cultural de los días del Imperio Bizantino, la herencia otomana y los diversos períodos de la república turca. En total han registrado una veintena de piezas de belleza sublime (grabadas entre 2008 y 2013 en Turín, Estambul y Ankara), melodías que se pierden en el tiempo, que abarcan el Egeo y toda la península de Anatolia (Esmirna, Rodas, Lesbos, Burdur…) y que se unifican como una representación de todas estas culturas regionales en la estructura cosmopolita de la capital.
DEM Ensemble ha elegido como título para este maravilloso disco a la flor rosa que simboliza a Estambul, Erguvan, que brota cada primavera por un breve período de tiempo, el símbolo de una ciudad en la que se han cruzado, mezclado y enfrentado diversas culturas. De esos encuentros y desencuentros surge la urbe actual, donde la tradición y las nuevas formas musicales son abrazadas como una sola. Música pensada, soñada y escenificada de forma magistral.

tracks list:
01. Hantuman Zeybeği
02. Ağır Al Yazma Zeybeği
03. Jandarma Zeybeği
04. Hüseyni Taksim
05. Eskişehir Zeybeği
06. Baylan Cemile
07. Nihavend Taksim
08. Kutsavakiko
09. Mazomenos
10. Koca Ümmet Zeybeği
11. Rodos
12. Kostak Ali Zeybeği
13. Kasnak Zeybeği
14. Eviç Taksim
15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar
16. Karanlıkdere Zeybeği
17. Abdurrahman Halayı
18. Hüseyni Taksim
19. Tevekte Üzüm Kara
20. Hasapikos Politiko

Espíritu del Sol es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
Representante del movimiento mestizo barcelonés, después de liderar durante doce años el proyecto Amparanoïa, a este tercer álbum como solista de Amparo Sánchez se han sumado dos de sus músicos inseparables: Jordi Mestres (guitarras) y Willy Fuego. Vuelve a Tucson a grabar con sus compañeros Joey Burns y John Convertino (de Calexico) los doce temas que lo componen, contando además con las colaboraciones de otras y otros destacados artistas de Arizona como Brian López, Sergio Mendoza (teclados), Mona Chambers (cello) y Vicky Brown (violín). Desde Argentina también participan Carlos Jiménez "La Mona", Raly Barrionuevo y Malena D’Alessio (de Actitud María Marta), mientras que México deja su huella con el Tapacamino Colectivo Musiquero de Oaxaca.

Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago) con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.

Página web oficial: Amparo Sánchez

tracks list:
01. Plegaria
02. Mi gitana
03. Luces en el mar
04. De este amor
05. Hermosa
06. El último trago
07. De lluvia y barro
08. Rio turbio
09. Cuarteto en Paris
10. No pudo ser
11. Sin nombre
12. Long long nite

Will "Quantic" Holland es una de las grandes estrellas del soul, del funk y del nü jazz de la década pasada. En 2006 un viaje a Colombia le cambió la vida, quedó tan fascinado por sus sonidos, aromas y colores que se instaló en la nación cafetera y se sumergió en su cultura musical. The Original Sound of Cumbia, una compilación de 55 pistas de la cumbia colombiana y porro publicado por Soundway en 2011, fue el resultado de cinco años de investigación de campo de Holland.
Pero encontrar y compilar registros antiguos no es lo único que ha hecho en este tiempo. Ha estado aprendiendo a interpretar el acordeón, tomando lecciones de maestros de Colombia y Panamá (Anibal Velásquez y Papi Brandao). Y ha llevado adelante sus proyectos Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica, este último junto al bogotano Mario Galeano (Frente Cumbiero).

Los Míticos del Ritmo es un proyecto dedicado a la cumbia y el vallenato de la década de los 60 de Colombia y de otros países del Caribe. Un disco grabado en analógico y para el que se han utilizado sólo cuatro pistas sobre las que se han ido superponiendo todos los instrumentos, como se hacía en aquella época. En el grupo participan Ancer Barrios Rada (percusión), nieto del gran acordeonista colombiano Francisco Pacho Rada (que participa en los directos con su voz y acordeón). El proyecto también se ve enriquecido con la participación de Combo Bárbaro (el bajo de Fernando Silva y la percusión de Freddy Colorado), y Humberto Pernett, uno de los músicos fundamentales en la historia de la fusión de ritmos costeños de Colombia con elementos electrónicos.
El resultado no puede ser más interesante: cumbia instrumental bailable y poderosas versiones, entre las que destaca "Another One Bites The Dust", de Queen ("Otro Muerde El Polvo").

Página web: Quantic

tracks list:
01. Introduction
02. Cumbia Comejen
03. Otro Muerde El Polvo (Another One Bites The Dust)
04. La Libanesa
05. Samaria
06. Willy’s Merengue
07. Cumbia de Mochilla
08. Satta Massa Cumbia
09. No Pares Hasta Tener Lo Suficiente (Don’t Stop Till You Get Enough)
10. Noche de Tamborito
11. Fabiola

Kassé Mady Diabaté tiene una de las voces más hermosas del oeste africano. Descendiente de una distinguida familia griot (hermano de Abdoulaye Diabaté), su nombre pertenece a esa "realeza musical" de la que forman parte otros griots como Toumani Diabaté o Bassekou Kouyaté. Más conocidos por su labor de "guardianes de la tradición", los griots son también considerados como mediadores en casos de rivalidades o discusiones en sus comunidades. Su función es la de canalizar todas las emociones e impulsos de estos desencuentros y convertirlos en canciones. Es por esto que, en este mundo dominado por la tradición oral, solo poetas como Kassé Mady Diabaté, que traduce las preocupaciones del alma humana en historias musicales, pueden alcanzar tal nivel de excelencia y convertirse en un tesoro nacional en Malí.
Nacido en la cuna de la civilización Mandinga, Kassé Mady se formó desde muy pequeño con su tía Sira Mory Diabaté, la cantante mandinga más conocida de su época y todavía referente en la escena artística de Malí. Su reputación fue creciendo en los primeros años de independencia y en 1970 se convirtió en vocalista de la Orchestre Régional Super Mandé de Kangaba, con quien ganó la Bienal de Música de Bamako (una iniciativa estatal para promocionar artistas que fomentan el patrimonio cultural), llamando la atención de Las Maravillas de Malí (un grupo que estudia en Cuba y que regresa para realizar sus interpretaciones de clásicos cubanos). Con Kassé Mady como vocalista, Las Maravillas (más tarde conocido como Badema National) logra un gran éxito en toda África Occidental, con canciones de estilo cubano pero con un nuevo toque mandinga.
En 1988 deja Badema National y se establece en Paris, donde graba su primer disco en solitario con el productor senegalés Ibrahima Sylla. En los diez años que vive en Paris toca con Toumani Diabaté y forma parte de su Symmetric Orchestra primero, colabora con Ketama en su Shongai 2, graba varios discos como solista, y a su regreso a Mali participa en el proyecto Koulandjan con Taj Mahal, y en Afrocubism, producido por Nick Gold.

Su último disco Kiriké (en No Format!) es una celebración de sus cincuenta años en la música. Es un trabajo con el que vuelve a sus raíces y en el que se apoya en una banda acústica de ngoni, balafón y kora (interpretada por Ballaké Sissoko), con un delicado trabajo de cello del productor Vincent Segal, donde se pone de manifiesto la belleza de su voz que conmueve con las historias de sufrimiento y de alegrías que transmite.

Página web oficial: Kasse Mady Diabaté

tracks list:
01. Simbo
02. Sori
03. Ko Kuma Magni
04. Sadjo
05. Toumarou
06. Kiriké
07. Douba Diabira
08. Hera

Ser autónomo, sentirse libre del dictado de la moda, de las reglas de la industria discográfica y de las etiquetas es el objetivo de Ferran Savall. El músico acaba de presentar su nuevo disco, Impro (en Alia Vox), un trabajo muy diferente a su primer álbum en solitario publicado en 2008. Un disco precioso.
"Ferran Savall bebe de la música antigua y especialmente de la cultura mediterránea para crear un lenguaje artístico propio, fresco y actualizado" (tv3, 2009). Hijo de la soprano Montserrat Figueras y del violagambista y musicólogo Jordi Savall (fundador del proyecto de música barroca Hespèrion XXI), y hermano de Arianna Savall (soprano y harpista), desde sus primeros años ha estado en contacto cotidiano con el ambiente musical de estudio, de ensayos y de conciertos con los miembros de su familia, que tienen lugar en su casa. A los siete años empieza su formación musical, estudia violín y piano y los completa con estudios de canto, guitarra y, más tarde, de laúd, tiorba y guitarra barroca.
En la adolescencia inicia sus estudios de guitarra en la Escuela Luthier con Xavier Coll. Paralelamente, con la idea de formarse en la interpretación de instrumentos antiguos y en el bajo continuo, sigue clases particulares con Rolf Lislevand, del que todavía es discípulo en la actualidad. Desde el año 2000 trabaja el canto moderno y prosigue sus estudios con Dolors Aldea y Petter Johansen. Durante los años 2001-2003, estudia los instrumentos antiguos en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) con Xavier Díaz-Latorre. Y también trabaja en diversas ocasiones con Andrew Lawrence-King en el marco de los "Cursos de Música Antigua de Cataluña" en Sant Feliu de Guíxols.
En 2004 inició la aventura de tocar profesionalmente con su familia, seguida de la publicación del disco Du temps & de l’instant que los llevó a realizar conciertos por todo el mundo.
Desde 2005 colabora con la bailarina y coreógrafa india Shantala Shivalingappa en distintos proyectos, el último de los cuales titulado Impro Sharana fue presentado en diciembre de 2014 en Barcelona y Girona. En 2008 inició su carrera musical en solitario con el disco Mireu el nostre mar con la ayuda de Mario Mas y la participación de Jordi Gaspar, Javier Mas y Dimitris Psonis, entre otros.

Y también en 2014 ha presentado su última propuesta, Impro, que incluye piezas grabadas entre 2003 y 2011. Señala el propio artista que este trabajo "es una reconciliación conmigo mismo. Cuando empecé a cantar a los 20 años lo que más me gustaba era coger la guitarra e improvisar con mi voz". En aquella época no tenía ninguna necesidad de componer. En cambio disfrutaba "jugando, imitando la manera de cantar del pop, del gospel o de los árabes sin utilizar palabras, inventándome un lenguaje que puede recordar a algo pero no lo es". Y solía tocar en la calle, "que para mí ha sido la mejor escuela", apunta, sin miedo a experimentar y buscando esa comunión que permite aflorar los sentimientos en estado puro, dejando que fluyan ecos de sus influencias más diversas. Hasta ha creado su propio lenguaje creando un vocabulario que, sin palabras, evoca emociones: "Invento palabras que no existen. Las improvisaciones no cuentan historias, surgen de la música y de la melodía", explica.
En Impro, la versátil y dulce voz de Savall se acompaña de su guitarra española o de su tiorba. A veces se unen también músicos que conoce bien: su padre, Jordi Savall, y su famosa viola de gamba, y el percusionista Pedro Estevan (darbuca, maracas, tambor ganga). El disco transmite vibraciones diferentes, empapadas de frescura y belleza inspiradas en la música antigua. "Comiat d'una mare" es un tributo de amor a su madre (fallecida en noviembre de 2011), y "Wonder" un guiño a uno de los artistas que admira, Steve Wonder.
Con Impro Ferran Savall ha encontrado su camino, la improvisación, dejar que la música fluya fruto del momento y de la emoción justa, de su forma de ser y de los recursos con los que cuente en el preciso instante. Por ello, le gusta actuar en espacios abiertos e improvisados, en círculos íntimos donde también el público participa en la creación de la atmósfera de donde emergerá su voz en canto. Sus interpretaciones son siempre únicas e irrepetibles. Y cada concierto es diferente. Por eso Impro es difícil de etiquetar. Como todo lo bello. (Fuente: "Ferran Savall, emociones sin palabras")

Página web oficial: Ferran Savall

tracks list:
01 somni
02 plaça del sol
03 fills de l’abundància
04 de gira
05 cardona blues
06 el joc etern
07 nous horitzons
08 veus humanes
09 jaroslaw
10 amb el pedro i els canaris
11 sense fer soroll
12 wonder
13 comiat d’una mare
14 somewhere over the rainbow

Diez años después de su debut internacional con Keçe Kurdan (que la convirtió en una de las máximas exponentes de la cultura y la música kurda), Aynur Doğan presenta Hevra (“Juntos” en kurdo), en una línea similar a la de sus trabajos anteriores: una equilibrada conjugación de canciones tradicionales actualizadas y nuevas composiciones con influencias diversas.
Seyir (2002), Keçe Kurdan (2004), Nûpel (2006) y Rewend (2010) son sus trabajos anteriores. En Hevra (2013) Aynur añade nuevos colores a su propuesta mostrando, al mismo tiempo, un innegable respeto por su cultura originaria y una intención por llevarla un paso más allá. Para ello cuenta con la brillante producción de Javier Limón, que enriquece el bagaje de la cantante kurda desde un sobrio y elegante trabajo en los arreglos llenos de acentos mediterráneos y orientales. Javier Limón consigue entrecruzar a la perfección instrumentos tradicionales como tembur, kaval y nay con ráfagas de guitarra, clarinete, piano y percusión (e, incluso, el cante) con la voz poderosa y expresiva de Aynur, que sobrevuela hasta límites insospechados.

Hevra combina composiciones propias con tradicionales y de otros autores, y cuenta con un plantel de artistas al servicio de la intención del disco. Por ejemplo, Saúl Quirós pone su cante en “Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam”; Cermil Qoçgirî acompaña sólo con el tembur en el precioso “Sîsilê”, al igual que el piano de Ariadna Castellanos en el impresionante “Xerîw”. La percusión corre, en la mayoría de las veces, a cargo de José Ruíz “Bandolero”. Y la guinda, el zapateado de Belén López en “Yar Melek e”, otra de las muestras de la genialidad en la realización de Javier Limón. Hevra es, sencillamente… un disco espléndido.

Página web oficial: Aynur Doğan

tracks list:
01. Peş Nare (It Makes No Headway)
02. Ûrmiye (Urmia)
03. Sîsilê
04. Tobedar im (I Repent)
05. Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam (I Have Built a House by the Sea)
06. Min Digo Melê (Remembering My Little Angel)
07. Diyarbekir
08. Xerîw (Poor Fellow)
09. Reng Esmerê (Come, Come You with the nut coloured skin)
10. Dil Ji Min Bir (She Stole My Heart Away)
11. Yar Melek e (My Lover is an Angel)

Dub Colossus es el proyecto resultante de la particular visión musical de Nick Page (también conocido como Dubulah), productor, compositor, multiinstrumentista y programador, que en los últimos veinticinco años ha trabajado con una larga lista de notables artistas de propuestas musicales alternativas.
En 1990 fundó, junto a Tim Whelan y Hammid Man-Tu (Hamilton Lee) la pionera y fecunda banda Transglobal Underground, con quienes editó seis discos antes de dejarles y crear Temple Of Sound. Pero en 2006 se encontró con músicos y artistas de Addis Abeba, se enamoró de su música y nació Dub Colossus, combinando dub y reggae de los años 70 junto a ethio-jazz de raíz azmari, y editaron su primer disco A Town Called Addis (2008), firmando con Real World para éste y los dos siguientes discos. En 2011 lanzaron su segundo álbum, Addis Through the Looking Glass, que también fue un éxito, pero aquí ya incluyeron algunos cambios de dirección musical con las colaboraciones del cantante reggae Mykael S. Riley, el batería Nick Van Gelder (ex Jamiroquai), el bajista Dr. Das (Asian Dub Foundation) y la imponente sección de vientos Horns of Negus.
Su siguiente paso fue la grabación de Dub Me Tender Vol. 1&2 en 2012, en el que reelaboraron algunas pistas anteriores junto con temas nuevos, con la consiguiente gira de presentación con una banda estable que incluía a la dúctil y calida vocalista PJ Higgins y al mencionado Mykael S. Riley. Este disco les supuso el reconocimiento del Songlines Music Awards 2013 en la categoría "Cross-cultural Collaboration".

Y después llega su último trabajo hasta la fecha, Addis to Omega, donde el enfoque musical ha girado totalmente. Han pasado de colaborar principalmente con artistas etíopes a hacerlo con cantantes y músicos de Jamaica y Reino Unido. Así que nos encontramos con reggae y dub de base, pero también ska, funk, soul, latin y jazz, "Dubadelica" lo han llamado, y es que hay de todo en estas quince nuevas composiciones, destacando sus letras, que son más sociales y críticas. Además, las sesiones de grabación tuvieron lugar en ciudades como Londres, Barcelona, Málaga, París y Tuva, lo que les facilitó incluir una amplia y variada colección de artistas invitados/as, entre quienes destacan Justin Adams, Winston Blissett, Natacha Atlas, el veterano jamaicano Joseph Cotton, el cantante de Tuva Albert Kuvezin, el violinista británico-egipcio Samy Bishai y su antiguo compañero Tim Whelan al piano. De nuevo sobresalen los arreglos de vientos de Horns of Negus, presentes e importantes en casi todos los temas y señalar, además, que en "Madmen" (el tema que más recuerda al antiguo Dub Colossus) participan Dani "K-Tna Fàbregas (Che Sudaka, Mendetz, Shuarma) a la batería y Sebastián Martínez Cevallos "El Córdoba" (Che Sudaka) al bajo.
En definitiva, Addis to Omega vuelve a situar a Dub Colossus como uno de los proyectos de fusión más excitantes de los últimos tiempos, un disco que funciona como si fuera un excelente recopilatorio de reggae-dub.

Página web oficial: Dub Colossus

tracks list:
01. Boom Ka Boom (And The Dub Diciples)
02. Family Man
03. Casino Burning Down
04. We Are The Playthings Of The Rich And Famous
05. Fight Back
06. Addis To Omega
07. Keep On Rocking
08. Soft Power
09. Madmen
10. Mi Dad
11. Tale Of 2 Cities
12. The Shape Of Things To Come
13. Happy Face
14. A Voice Has Power
15. Orpheus Underground

Souad Massi es una de las voces más populares del Magreb, una artista que desarrolla una música próxima al folk-pop, un delicado folk-pop argelino rico en suaves armonías, que refuerza con unas letras humanas y sensibles. El Mutakallimûn (Masters Of The Word) está dedicado a grandes poetas árabes (desde Al Andalus hasta el siglo XX), diez canciones que son diez poemas que, pese a la belleza de sus versos, pocas veces han sido traducidos. Poemas que hablan de la libertad, el amor, la rebelión y la vida.
El presente trabajo es el resultado de un proceso de descubrimiento personal de Souad que le llevó a conocer la Córdoba de Al Andalus y su legado, la ciudad más poblada y sofisticada de la Europa Medieval. Pero no fue el legado de matemáticos, astrónomos, juristas, teólogos, filósofos y poetas lo que le asombró, ni sus suntuosos palacios, mezquitas, sinagogas, iglesias y baños públicos, ni su biblioteca de medio millón de libros -la más grande de Europa en aquel momento-. Fue el hecho de que durante siglos, las religiones judía, cristiana e islámica convivieron en relativa paz y armonía bajo el dominio musulmán.
Los frutos intelectuales de Andalucía jugaron un papel crucial en el desarrollo de la civilización europea en la Edad Media y posterior. Eruditos islámicos y traductores construyeron el puente que unía el mundo medieval a la filosofía de los antiguos griegos. Sabios cordobeses como el musulmán Ibn Rushd (Averroes) o el judío Moshé ben Maimón (Maimónides) encabezan el intento generalizado de conciliar el racionalismo de Aristóteles con los principios fundamentales del judaísmo y el Islam. En Al Andalus, la aplicación de la razón y la lógica para la mayoría de los temas básicos de la vida –la libertad, la naturaleza de la existencia, la naturaleza de Dios y de la fe- era el propósito de los estudiosos de la "kalam" o "el discurso" ("mutakallimûn" en plural). Científicos, filósofos, geógrafos, historiadores, matemáticos y poetas, todos podrían ser considerados mutakallimûn o "maestros de la palabra". Celebraban asambleas donde el conocimiento, el pensamiento y la habilidad verbal eran altamente apreciadas. En estos crisoles del discurso y de la interacción confiada se forjó la riqueza intelectual de Al-Andalus.

Esta revelación se traduce para Massi, por una parte, en la formación Les Chouers de Cordoue, junto con el guitarrista Eric Fernández y otras y otros artistas de Andalucía y el Norte de África. Por otra parte, da a luz a otro impulso: "Estaba harta de todas las imágenes asociadas con el mundo árabe en general", dice Souad. "Quería rendir homenaje a estos mutakallimûn porque nos dejaron muchas cosas hermosas. Quería compartir todo esto con la gente que realmente no conoce la cultura árabe", celebrar la gran literatura árabe clásica y recordar al pueblo árabe de hoy sus orígenes, su historia, su cultura antigua, la lucha contra la tiranía y la opresión.

Así que eligió sus medios: la música, la caligrafía y la poesía. Para componer y traducir las diez canciones (que también se explican por diez grafías), Massi ha necesitado la ayuda de algunos expertos en poesía árabe clásica, ya que su origen es bereber y su formación es principalmente bereber y árabe Chaabi, y con este proyecto "Quería compartir la belleza de la lengua árabe y su tamaño y la apertura de espíritu". En la traducción de los poemas ha contado con Mustapha Kharmoudi. Para ilustrar los poemas, con las hermosas grafías de Mohamed Bourafai y su hijo Aymen Bourafai.
Para Souad Massi, la Poesía es fundamental, ya que es acción, es el poder de la palabra que da fuerza a las acciones de los hombres y de las mujeres. Y la poesía árabe, que siempre ha jugado un papel de liderazgo en toda la producción literaria árabe, desde antes de la llegada del Islam (hoy en este momento de dolor, confusión y desinformación que rodea el mundo árabe) puede continuar desempeñando un papel esclarecedor. Un retrato de la filosofía del amor, la paz y la tolerancia del Islam.

facebook: Souad Massi

tracks list:
01. Bima El´Taaloul – What Is There To Feel Happy About? (El Moutanabi, siglo IX)
02. Lastou Adri – I Do Not Know (Ilya Abou Madi, Líbano, 1889-1957)
03. Ayna – The Visit (Ahmed Matar, Irak, 1954)
04. Hadari – A Message To The Tyrants Of The World (Abou El Kacem El Chabbi, Túnez, 1909-1934)
05. Sa´imtou Takalifa Al Hayati – I Am Tired (Zouhaïr Ibn Abi Salma, siglo VI)
06. El Houriya – Freedom (Ahmed Matar)
07. Faya Layla – I Remember (Nizami Ganjavi, Irán, siglos XII-XIII)
08. El Khaylou Wa El Laylou – The Horse And The Night (El Moutanabi)
09. El Boulbouli – The Sound Of The Whistling Nightingale (Al Asmaï, siglos VIII-IX)
10. Saàïche – The Song Of The Powerful (Abou El Kacem El Chabbi)

El grupo She’Koyokh se ha convertido en uno de los tesoros musicales de Londres. Con artistas procedentes de Reino Unido, Turquía, Serbia y Suecia, está considerado como uno de los mejores en el territorio sonoro del klezmer, la música turca y los sonidos balcánicos.
She'Koyokh es una palabra yidis que significa "bien hecho!". Comenzaron en el East End londinense en 2001 como una banda popular de calle, estableciéndose gracias al apoyo del Millennium Award del Jewish Music Institute e iniciando su carrera internacional con compromisos en el Amsterdam’s Concertgebouw, el Festival de Cultura Judía de Munich y en la televisión y la radio de la BBC.
En 2008 la banda fue galardonada con el primer premio del Festival Internacional de Música Judía de los Paises Bajos, publicando Sandanski’s Chicken, que será el último proyecto en el que participe uno de sus miembros fundadores, el acordeonista Jim Marcovitch, que fallece meses después. Ese mismo año, la vocalista kurdo-turca Çiğdem Aslan se incorpora al grupo, lo que permite expandir su repertorio para incluir temas de los Balcanes, el Mediterráneo y el folclore turco. En 2011 editan su segundo disco, Buskers Ballroom, y en marzo de 2014 sale su tercer trabajo Wild Goats & Unmarried Women, siendo todos sus discos aclamados de forma unánime por la crítica y el público.

Wild Goats & Unmarried Women sorprende por la variedad de temas. Si hacemos un repaso de la composición de la banda nos podemos hacer una idea de lo que nos encontramos en este trabajo:

Çiğdem Aslan como vocalista. Nacida en Estambul, puede cantar en turco, kurdo, griego, búlgaro y ladino, siendo muy demandada para colaborar en otros proyectos, además del suyo propio (Mortissa, editado en 2013, es su primer disco en solitario).

Susi Evans es la clarinetista del conjunto. Es miembro fundadora de She'Koyokh. Graduada en Londres, estudió posteriormente en Turquía y Bulgaria, consiguiendo un dominio del instrumento que la ha llevado a colaborar con diferentes grupos y orquestas y a ejercer, con mucho éxito, como profesora.

Meg-Rosaleen Hamilton toca el violín. Su repertorio abarca desde la música griega, búlgara, turca, y árabe, hasta el flamenco, como lo corroboran la cantidad de proyectos en los que interviene.

Živorad Nikolić estudió acordeón en Kragujevac, Serbia, antes de llegar a Londres, donde se graduó. Por su origen, siempre ha estado ligado a la música tradicional balcánica.

Matt Bacon toca la guitarra, aunque por su perfil de multiinstrumentista, a veces lo vemos aparecer en otras facetas musicales. Proveniente del jazz y el pop, su giro hacia la música acústica le llevo a incorporarse al grupo en 2002. Su curiosidad le ha llevado a recorrer gran cantidad de países para investigar sobre las características musicales de los mismos.

Paul Tkachenko interviene con su contrabajo y su voz. Fue en Alemania donde se interesó por la música turca y, posteriormente, por la de Europa del Este. Además del contrabajo, también toca la tuba y se dedica también a la música desde el punto de vista teórico, con algunas publicaciones en su haber.

Ben Samuels toca la mandolina. Originario de San Francisco, estudió en Londres. Autodidacta, con raíces en la comunidad irlandesa-judía, ahora trabaja como artista, escritor y director en el Reino Unido y Europa.

Vasilis Sarikis es el multipercusionista del grupo, un artista griego especializado en percusión del Mediterráneo y los Balcanes, formado ampliamente en la bateria, el jazz, música de Brasil y del sur de India.

Así, pues, el repertorio del disco se compone de quince temas de un estilo amplio: temas de origen sefardí, versiones judías de danza populares húngaras y klezmer y una canción judía-ucraniana ("Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'", "Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov", "Der Filosof / Flatbush Waltz y "Limonchiki"); canciones tradicionales kurdas y turcas ("Esmera Min (Mi Morena)" y "Teke Zortlatması"); melodías rumanas y búlgaras ("Hora De La Munte", "Ţigăneasca De La Pogoanele" y "Kopano Horo"); melodías y canciones griegas ("Argitikos Kalamatianos", "Selanik Türküsü" y "Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'"); una canción popular búlgara de origen zíngaro, "Kopano Horo"; una canción de amor de tradición bosnia ("Moj Dilbere"), una danza en círculo muy popular en las bodas en Serbia ("Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo"), y un popurrí con una danza de boda bulgara y una canción compartida entre sefardíes y turcos ("Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana").
En definitiva, un delicioso eclecticismo, un conjunto de canciones desde realidades y tradiciones muy distintas que She´Koyokh consigue agrupar de forma coherente y con una altísima calidad, tanto en las voces como en las interpretaciones musicales. Como señalan en B!ritmos, "Un grupo de referencia en el mundo de la música balcánica pero que va mucho más allá, abriéndose a todo un mundo de tradiciones colaterales". (Fuente: B!ritmos)

Página web oficial: She´koyokh

tracks list:
01. Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov
02. Esmera Min (Mi Morena)
03. Hora De La Munte
04. Ţigăneasca De La Pogoanele
05. Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'
06. Argitikos Kalamatianos
07. Selanik Türküsü
08. Kopano Horo
09. Moj Dilbere
10. Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo
11. Teke Zortlatması
12. Der Filosof / Flatbush Waltz
13. Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana
14. Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'
15. Limonchiki

Dona Onete, cantante, compositora y poetisa brasileña, es conocida como la diva del "carimbó chamegado", un ritmo de su propia creación que combina la música tradicional de Pará, en el norte de Brasil, con un poco de "picante". Nombre artístico de Ionete da Silveira Gama, durante toda su vida laboral ha ejercido como Profesora de Historia y de Cultura y Estudios Amazónicos, Secretaria de Cultura (de la localidad de Igarapé-Miri) y ha sido fundadora de grupos de danza folclórica y agrupaciones carnavalescas. En la actualidad, Dona concilia los oficios de cantar y enseñar componiendo y cantando, en los escenarios, historias, cuentos y leyendas que, durante más de veinticinco años, enseñó en las aulas. Y es que, precisamente, ha tenido que esperar a jubilarse para ser descubierta, casualmente, como expresiva cantante y compositora.
Por su trabajo, conoció diversos pueblos del interior de Pará, lo que le permitió conocer múltiples historias y anécdotas de las tradiciones negras e indígenas, muchas de las cuales están reflejadas en sus más de trescientas composiciones, acompañadas por los ritmos característicos de la tradición musical del norte de Brasil.

Suerte de Cesária Évora y Omara Portuondo, con 73 años ha grabado su primer disco, Feitiço Caboclo (2012), que funciona como un caleidoscopio que trae carimbó, forró, choro, samba, bolero, cumbia y lambada, además de ser considerado un álbum que no teme probar con sonidos ajenos a la región que lo vio nacer.

Para saber más: "Dona Onete: la diva que grabó su primer álbum a los 73 años" (BBC MUNDO)

facebook: Dona Onete

tracks list:
01. Poder da Sedução
02. Balanço Criolo
03. Jamburana
04. Moreno Morenado
05. Boi Guitarreiro
06. Rio de Lágrimas
07. Carimbó Chamegado
08. Feitiço Caboclo
09. Homenagem aos Orixás
10. Lua Namoradeira
11. Louco Desejo

Ayub Ogada es uno de los mejores músicos de Kenia, un cantante intimista y exponente de la lira nyatiti que ha disfrutado de una carrera extraordinaria. En la década de 1980 ejercía como músico callejero en el metro de Londres. Posteriormente, captó la atención del Real World de Peter Gabriel, grabó el álbum (considerado un clásico) En Mana Kuoyo en 1993 y ejerció de telonero de la gira para Europa de Gabriel.
Ahora reside de nuevo en Kenia, donde grabó este nuevo álbum con el productor y guitarrista Trevor Warren que, en 2012, se trasladó con un equipo móvil para realizar la grabación. Ogada le gusta interpretar al aire libre, y viene acompañado por un pequeño grupo que añaden guitarras, bajo y percusión (Dudley Phillips y Hossam Ramzy), junto con los sonidos ambientales que se recogen en las grabaciones. Un conjunto que resulta de un relax exquisito con secciones que suenan como un alegre ensayo o a jam session, donde destaca su voz suavemente hipnótica junto con los riffs solos de su querida lira. Un trabajo esperado que posee la misma simplicidad transparente que hizo de su disco anterior un elemento básico de las compilaciones de world music desde 1993.

Página web oficial: Ayub Ogada

tracks list:
01. Dero
02. I Para Ango Yawa
03. Kodhi
04. Otenga
05. Waritarita
06. Harmonic
07. Conversation
08. Funeral
09. Extreme
10. Traditional
11. A Prayer

Después de tres discos, giras por todo el mundo y la publicación de trabajos a nivel individual, Niyaz ha decidido tomarse un tiempo hasta editar The Fourth Light, un álbum en el que renuevan la formación (pasando a ser un dueto formado por Azam Ali y Loga R. Torkian) y en el que vuelven a centrar su atención en la poesía mística sufí.
The Fourth Light está dedicado a la primera mujer mística sufí y poeta Rabia Al Basri (Rabia Al Adawiyya), una de las primeras voces del islam que nació en el siglo VIII en Basora, Irak: “A través de algunos de sus poemas que han sobrevivido a través del tiempo, las palabras que hemos heredado nos revelan a un verdadero icono femenino que encarna todos los aspectos de la liberación femenina y espiritual. Muchos poetas sufíes que vinieron después, como Attar y Rumi, atribuyen los poemas a su inquebrantable y sublime espíritu”.

Producido por Niyaz y mezclado por el destacado músico electrónico y productor Damian Taylor, en el presente trabajo Azam Ali asume un peso mayor, además de ser la vocalista se adentra en la programación electrónica. Las composiciones que han grabado se basan en temas tradicionales de Afganistán, Irán y Turquía. Texturas vocales, instrumentales y electrónicas de vanguardia arropando poemas místicos centenarios para ofrecer “un mensaje de esperanza contra la injusticia y la opresión, un tributo universal a la belleza, a la diversidad cultural y espiritual, libertad y dignidad para todas y todos”.

Página web oficial: Niyaz

tracks list:
01. Sabza Ba Naz (The Triumph of Love)
02. Tam e Eshq (The Taste of Love)
03. Eyvallah Shahim (new rendition) (Truth)
04. Yek Nazar (A Single Glance)
05. Man Haramam (I Am a Sin)
06. Aurat (Woman)
07. Khuda Bowad Yaret (Divine Companion)
08. Shir Ali Mardan (Song of a Warrior)
09. Marg e Man (My Elegy)

La carrera del multiinstrumentista y compositor valenciano Efrén López es tan amplia y extraordinaria que cualquier intento de resumirla en unas pocas lineas pecará con seguridad de falta de rigor. Durante más de quince años se ha sumergido en el sustrato musical mediterráneo, estudiando y viajando hasta las fuentes, con estancias en Grecia, Creta, Turquía, Israel… y lo ha compartido con excelentes músicos/as de proyectos innovadores de la música de raíz y antigua de ambos extremos del Mediterráneo, tanto la occidental como la oriental.
En 1998 fundó, junto a Mara Aranda, L’Ham de Foc, uno de los grupos españoles más destacados a nivel internacional, nutrido de influencias árabes, griegas, iraníes, turcas, balcánicas, afganas y una fuerte identidad valenciana. Posteriormente, ha trabajado con artistas y bandas como Evo (con quienes llevó a cabo un proyecto donde interpretaban, de manera contemporánea, un repertorio basado en piezas medievales, Eva, en 2012), Capella de Ministrers, Carles Dénia, Maria del Mar Bonet, Pep Gimeno "Botifarra", Miquel Gil, Ross Daly & Labyrinth, Stelios Petrakis, Trío Chemirani… entre otras y otros.

Con El Fill del Llop, Efrén López da un paso más allá en su carrera y estrena un nuevo proyecto donde es el único responsable de todo el trabajo, volviéndose a sumergir en las tradiciones mediterráneas, de España, Turquía o Grecia y en distintas épocas musicales. Para ello, maneja instrumentos de las distintas geografías (oud, saz, zanfona, guitarra, banjo, bağlama, santur o bouzouki) con una maestría excepcional.
En el disco nos encontramos desde delicadas piezas de inspiración kurda hasta potentes aperturas a ritmo de davul, un doble tambor turco de sonido sobrecogedor. Acercamientos al flamenco ("Como al pie del suplicio estuve", de Juan Peña "El Lebrijano") con el cantaor valenciano Raul Micó, a las danzas francesas ("Bourrées de la Carrasca de la Vaca", para zanfona) y a los sonidos portugueses ("Azinhaga"). Además, se ha rodeado de artistas que ya le han acompañado en diversos proyectos como Christos Barbas, Miriam Encinas y Alexandre Guitart, presentándose el conjunto como Abracadabra. Precisamente "Abracadabra" es el tema que cierra el disco, una fiesta de percusiones manejadas por Aleix Tobias para este trabajo extraordinario, un disco de abrumadora belleza y de concepto impecable. (Fuente: Diariofolk)

facebook: Efrén López Música

tracks list:
01. Kurtoğlu Zeybeği
02. Plaerdemavida
03. Como al pie del suplicio estuve
04. Oγιος του λύκου - O gios tou lykou
05. Aralık (Ferahfezâ)
06. اسب سنگ / Asbe Sangi
07. Lo boièr – Iria
08. Vallsabollera
09. Bourrées de la Carrasca de la Vaca
10. Azinhaga
11. Abracadabra

Tambolero es el "nuevo" trabajo de la cantante Totó la Momposina, considerada tesoro cultural de su país. Desde la década de 1970 ha estado cantando y bailando a la música de la costa caribeña de Colombia en los escenarios de todo el mundo.
Su álbum La Candela Viva, que grabó para Real World Records de Peter Gabriel en 1993, fue su disco debut, a nivel internacional, pese a ser una artista con mucha experiencia en los escenarios, un estallido definitivo de la vibrante mezcla de influencias africanas, indígenas y españolas que componen el majestuoso sonido de su tierra a lo largo de la costa del Caribe.
Su última colección, Tambolero, es una recreación de ese álbum seminal. Revisando las grabaciones originarias, el productor John Hollis descubrió más de 20 canciones que no habían sido utilizadas. Para esta nueva producción se restauraron las cintas originales, se llevaron a formatos digitales y se reeditaron y mezclaron. También se agregaron algunos instrumentos y se reforzaron los coros con la voz de dos nietas de Totó, Mª del Mar y Oriana Melissa Hollis (esta última ni siquiera había nacido cuando se grabó el primer disco).

"Estoy cantando lo viejo nuevo" dice Totó, "Estamos en una nueva época, en una nueva era donde se utiliza mucho lo electrónico", "pero cuando tú encuentras la música hecha con amor naturalmente, con los instrumentos naturales, con el sentimiento de amor musical, pues la música suena con un toque de una energía ancestral".
Tambolero es otra manifestación artística definitiva de una artista que acaba de entrar en su 75 aniversario llevando sesenta y siete como intérprete.

Página web oficial: Totó la Momposina

tracks list:
01. Adiós Fulana
02. El Pescador
03. Chi Chi Mani
04. Curura
05. Gallinacito
06. La Sombra Negra
07. Dame la mano Juancho
08. La Candela Viva
09. Dos de Febrero
10. Malanga
11. La Acabación
12. Tambolero

Flaco Jiménez y Max Baca, integrante de Los Texmaniacs, han colaborado en decenas de discos y conciertos a lo largo de sus carreras. Pero Legends & Legacies es el primero en el que el astro del acordeón de la música Tex-Mex y el maestro del bajo sexto (una guitarra tejana con seis pares de cuerdas dobles) comparten crédito como cantantes e instrumentistas.
Grabado bajo el sello del Instituto Smithsonian, señala Jiménez que "Este disco tiene un significado muy especial para mí", "queríamos llevar a la nuevas generaciones al origen de esta música. Es la música de mi abuelo Patricio a fines del siglo XIX y de mi padre en los años 30".
La amistad de Jiménez y Baca se remonta a la década de 1970, cuando el último tenía siete años. El padre de Max le llevó, junto a su hermano, a Lubbock (Texas) para ver una serie de actuaciones de Flaco Jiménez en un club llamado el Fronterizo. Cuando Flaco Jiménez, que era amigo de su padre (Max Baca Sr.), invitó a los pequeños a subir al escenario a tocar con él, la destreza de los Baca en el bajo sexto y acordeón lo deslumbró. Veinte años después, Max Baca Jr. se convirtió en el bajo sexto preferido de Jiménez.
En 1994 ambos colaboraron con los Rolling Stones en Voodoo Lounge, que ganó el Grammy al mejor álbum de rock. Por su parte, Flaco Jiménez ha ganado tres Grammy como solista, uno con The Texas Tornados y otro con Los Super Seven, y Max Baca tiene uno con Los Texmaniacs, pero Legends & Legacies es su primera colaboración oficial.

Legends & Legacies es una colección de canciones que Jiménez tocaba con su padre (Santiago Jiménez) y Baca con el suyo. Excepto por la cumbia "La múcura", el disco está integrado por polcas, rancheras y valses tocados al estilo de conjunto tejano, el género que se nutre de la música introducida por inmigrantes alemanes y del Este de Europa a fines del siglo XIX en el norte de México y el sur de Texas.
El disco incluye, entre otros, clásicos popularizados por Santiago Jiménez (la polca "Margarita, Margarita"), una ranchera que se convirtió en éxito de Los Alegres de Terán ("Me voy lejos") y un viejo original de Jiménez que nunca había grabado antes ("Fiesta alegre"). Temas con los que Flaco y Max contribuyen a una meta común: obtener respeto por su legado musical más allá de su comunidad tejana mexicana, al mismo tiempo que destacan que las tradiciones y las raíces de todas las personas merecen el mismo respeto.

facebook: Flaco Jiménez
Página web oficial: Max Baca & Los Texmaniacs

tracks list:
01. Margarita, Margarita (canción-polca)
02. Cada vez que cae la tarde (canción-polca)
03. El pesudo (canción-polca)
04. Me voy lejos (canción ranchera)
05. Borradita diente de oro (canción-polca)
06. La múcura (cumbia)
07. Mi primer amor (canción-polca)
08. El parrandero (canción-polca)
09. Los amores de José (vals)
10. Brincando cercas (canción-polca)
11. Jardín de las flores (canción-vals)
12. La viejita (canción-polca)
13. Beer-Drinking (polca)
14. La nueva Zenaida (canción-polca)
15. Morena, morenita (canción-polca)
16. Ay te guacho cucaracho (canción-polca)
17. Fiesta alegre (polca)

Hindi Zahra, cantante, compositora y multi-instrumentista de origen bereber, es una artista imbuida de Marruecos y su diversidad cultural más allá de sus fronteras. No tuvo prisa para publicar su primer trabajo, el excelente Handmade, en 2010, que fusionaba la cultura poética amazigh con el soul, el jazz, el folk y el blues con una voz que recordaba a Patti Smith o Billie Holliday.
Desde aquel momento se embarcó en una gira interminable y no paró de recibir premios. Habiendo sido una de las revelaciones del año gracias a su increíble concierto del mes de mayo en el Festival Gnawa de Essaouira, publica su segundo álbum Homeland, grabado entre Marrakech, Essaouria, Córdoba y Paris, y en el que participan las impresionantes guitarras de la estrella tuareg Bombino y el gitano Juan Fernández "Panki".

Homeland es un trabajo impresionante, donde muestra su fino control vocal en las frescas y luminosas baladas compuestas en inglés y francés indistintamente, con influencias flamencas o del blues del desierto respirando en cada canción. El disco es jazz, soul, chanson, folk, pop, es todo a la vez, canciones que van más allá de las fronteras, dificil de clasificar (como muestra, el precioso "Cabo Verde" cantado en bereber). Lo que prima sobre todos estos estilos musicales es la dulzura de su voz, los excelentes arreglos musicales y la frescura de una propuesta musical que entrelaza magistralmente la tradición y la vanguardia.

Página web oficial: Hindi Zahra

tracks list:
01. To The Forces
02. Silence
03. Any Story
04. Un Jour
05. Can We Dance
06. La luna
07. The Blues
08. Broken Ones
09. Dream
10. Cabo Verde
11. The Moon Is Full

Después de su sublime álbum Clychau Dibon, con la arpista galesa Catrin Finch (que ganó el premio "Cross-Cultural Collaboration" de los Songlines Music Awards de 2014), Seckou Keita presenta su nuevo disco en solitario: 22 Strings, las de su ancestral instrumento, la kora, gracia de meditación y elegancia consumada.
El título 22 Strings hace referencia a un cuento sobre la kora, que tiene 21 cuerdas. Según una vieja leyenda, cuando los espíritus (djinns) de la selva africana dieron la primera kora al griot Jali Mady "Wuleng", ésta tenía 22 cuerdas. Cuando Jali Mady murió, sus compañeros griots tomaron una cuerda en su memoria. En su lugar de nacimiento en el sur de Senegal y Guinea Bissau, la kora de 22 cuerdas ha sobrevivido, dando ventajas especiales en términos de alcance tonal. Para Seckou Keita, esta cuerda adicional representa el hogar, el lugar donde reside su corazón.

Keita se ha convertido, sin duda, en uno de los intérpretes de la misma más influyentes e inspiradores de su generación, un músico excepcional y carismático que en este trabajo, íntimo y exquisito, explora lo que significa ser un ciudadano del mundo moderno llevando, sin embargo, tras de sí nada menos que siete siglos de tradición y herencia que se van desgranando y expresadando a través de la música. Seckou nos muestra la kora en su pureza, un instrumento maravilloso que puede llevar al espíritu humano a un lugar de meditación profunda, quietud y belleza. Como botón de muestra, el tema que cierra el álbum ("Future Stings in E", que también aparecía en Clychau Dibon), un escaparate impresionante de la inventiva de Seckou en estas veintidos cuerdas.

Página web oficial: Seckou Keita

tracks list:
01. The Path From Gabou
02. N'Doké (Little Bro)
03. Mikhi Nathan Mu-Toma (The Invisible Man)
04. If Only I Knew
05. Alpha Yaya
06. Kana-Sila
07. Tatono
08. Mandé
09. Abdou N'Diaye
10. Future Strings in E

Sanata: Stillness es el nuevo trabajo de Kiran Ahluwalia, creando al frente de su sólida banda un sonido transcultural e innovador a la vez que contemplativo y seductor para el baile. Grooves paquistaníes se aunan con ritmos de raga hindú y se fusionan de manera natural con los hipnóticos blues saharianos y el concepto improvisatorio del jazz occidental.
Gracias a un encuentro casual con los legendarios Tinariwen, Kiran quedó fascinada por las guitarras tuareg del desierto del Sahara. Después de estudiar estas y otras músicas de África Occidental, quedó convencida de que tenía que añadir a sus ideas compositoras sus ritmos adictivos, hipnóticos y cíclicos. El resultado fue el extraordinario Aam Zameen: Common Ground (2011), con la participación de los malienses Tinariwen y Terafakt.

En Sanata: Stillness esta influencia se sigue dejando sentir, encontrándonos un buen híbrido de la música indo-sahariana, una especie de síntesis de música de India, jazz y los sonidos subsaharianos, todos aderezados con un estilo únicamente suyo. Las canciones de este álbum hablan sobre lo inalcanzable, el amor y lo divino. Sus composiciones y arreglos son un reflejo de una búsqueda constante para crear música atemporal en un contexto moderno y global que mira hacia el futuro, manteniendo una línea vital con su pasado histórico, relatado en nueve temas. Encontramos sonidos de tablas, percusiones, más el canto característico tradicional, junto con guitarras eléctricas de rock, desenvolviéndose y encontrando puntos en común muy bien trabajados. Para ello, es fundamental el trabajo a las guitarras de Rez Abbasi y las fascinantes notas del harmonium de Kiran Thakrar.
El resultado carece de temporalidad y fronteras, entrando en un contexto global y moderno que abarca el futuro pero se mantiene con sólidas raíces en la tradición.

Página web oficial: Kiran Ahluwalia

tracks list:
01. Hayat
02. Jaane Na
03. Sanata
04. Tamana
05. Hum Dono
06. Jhoom
07. Taskeen
08. Qaza
09. Lament

Tamana

Si buscamos la palabra "arabicana", encontraremos un género y sus inventores: NO Blues, una mezcla única de la cultura musical americana (folk, blues y country) y la música árabe. Incluso después de diez años como banda, sigue siendo única en el mundo. En el nuevo álbum Oh Yeah Habibi, NO Blues tiende un puente entre Oriente y Occidente navegando por el Nilo y el Mississippi y sus deltas musicales.
En 2004 Rob Kramer - director artístico de productiehuis Oost-Nederland - invitó a tres virtuosos de las cuerdas para una sesión de tres días que dio, como resultado, un concierto conjunto. La sinergia desarrollada de forma espontánea entre Anne-Maarten van Heuvelen (bajo), Ad van Meurs (guitarra) y Haytham Safia (u'd - laúd árabe) condujo a cientos de espectáculos y cuatro discos como NO Blues, siendo su debut Farewell Shalabiye (2005) un éxito inmediato. En 2007 NO Blues se convierte en quinteto con la incorporación del percusionista Osama Maleegi y la vocalista y productora Ankie Keultjes. Desde entonces, conquistan a amantes de su música en Francia, Grecia, México y paises árabes con Ya Dunya (2007), Hela Hela (2011) y Kind of NO Blues (2013). Con Oh Yeah Habibi (2015) la banda continúa su viaje musical. Diez años de su mezcla única Arabicana!.

Oh Yeah Habibi suena directo y fresco como un álbum de debut. El intérprete de oud Haytham Safia señala que han vuelto a la esencia de la guitarra, oud, bajo y percusión. A diferencia de los discos anteriores, en NO Blues han decidido utilizar los acontecimientos actuales como temas de sus canciones. Temas como "Exodus" y "The World" giran en torno al drama de los refugiados, y "Two Trains" y "Gods Move" hacen referencia a los enfrentamientos religiosos. "Nos llamó la atención que nuestra música parecía tener una energía diferente después del ataque terrorista contra Charlie Hebdo", dice el bajista Anne-Maarten van Heuvelen. El guitarrista Ad van Meurs señala: "Nunca hemos sido una banda con contenido político, pero, definitivamente, no podemos mirar hacia otro lado tampoco".
Oh Yeah Habibi va más allá en la temática previa de NO Blues, y su aclamada "arabicana" por la crítica todavía sigue teniendo gran impacto y sorprendiendo. En este nuevo trabajo de doce pistas suben un nivel más en su abrazo musical entre este y oeste.

Página web oficial: NO Blues

tracks list:
01. Into The Caravan
02. Imta
03. Doubt
04. Two Trains
05. Ehsas
06. Exodus
07. The World Keeps Turning
08. Sudani
09. Oh Yeah Habibi
10. The Moment
11. Osama Blues
12. Gods Move

Toumani & Sidiki Diabaté - Toumani & Sidiki (2014)

DEM Ensemble - Erguvan (2013)

Amparo Sánchez – Espíritu del Sol (2014)

Los Míticos del Ritmo (feat. Quantic) – Los Míticos del Ritmo (2012)

Kassé Mady Diabaté – Kiriké (2014)

Ferran Savall – Impro (2014)

Aynur – Hevra (2013)

Dub Colossus – Addis to Omega (2014)

Souad Massi – El Mutakallimûn (2015)

She´Koyokh – Wild Goats & Unmarried Women (2014)

Dona Onete - Feitiço Caboclo (2012)

Ayub Ogada – Kodhi (2015)

Niyaz – The Fourth Light (2015)

Efrén López – El Fill del Llop (2015)

Totó la Momposina – Tambolero (2015)

Flaco & Max – Legends & Legacies (2014)

Hindi Zahra – Homeland (2015)

Seckou Keita - 22 Strings (2015)

Kiran Ahluwalia – Sanata: Stillness (2015)

NO Blues – Oh Yeah Habibi (2015)